Escritor por encargo

Escritor por encargo
escritores freelance

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS DE LA HISTORIA DEL CINE 1

El American Film Institute, confeccionó una lista con las 100 mejores películas de toda la historia del cine. En ella pueden encontrarse verdaderas joyas del cine norteamericano de todos los tiempos. Esta lista de las 100 mejores películas de la historia, ha recibido críticas por considerarse una visión sesgada del cine, pues se ignoran filmes extranjeros y solo se tiene en cuenta el cine estadounidense.






LAS 100 MEJORES PELÍCULAS DE LA HISTORIA DEL CINE ESTADOUNIDENSE



1 - Citizen Kane
El Ciudadano Kane
Año: 1941
Director: Orson Welles
Duración: 119 min
Genero: drama
País: Estados Unidos
Reparto: Orson Welles, Everett Sloane, George Coulouris, Joseph Cotten, Dorothy Comingore, Ray Collins, Agnes Moorehead, Paul Stewart.

Sinopsis: Charles Foster Kane el magnate de la industria del periodismo, dueño de una cadena de periódicos, una vasta colección de obras de arte y una emisora, agoniza en su esplendido castillo de estilo oriental llamado Xanadú. Antes de morir su ultima palabra será “Rosebud”, que deja el enigma en suspenso. Y a la tarea de hallarlo, se apresta un grupo de periodistas.
 Comentario: es la primera película de Orson Welles y que le significó un gran éxito en su carrera como director. De hecho en los premios Oscar de 1941 obtuvo 8 candidaturas y el premio por mejor guión. Tras su incursión en el radioteatro con una adaptación de la Guerra de los Mundos de H. G. Wells, Orson Welles impresionó a los productores de Hollywood. La RKO Pictures contrató con Welles el rodaje del filme. Pasaron meses sin dar punto final al proyecto, pues Welles tenía en mente dar un giro a la estructura narrativa del filme. El filme tiene como inspiración la vida de William Randolph Hearts, magnate de los medios y la industria norteamericana. La técnica narrativa usada por Welles es revolucionaria en el cine de aquel entonces. Para narrar la historia de Charles Foster Kane, Welles usa constantes flashbacks para darle una atmosfera de ambigüedad e imprecisión a los relatos que los distintos personajes que van contando. Varios narradores van llevando al espectador por la vida del personaje, recomponiendo la historia y la memoria. Esta técnica nunca se había usado en ninguna película hasta entonces, lo que revolucionó la industria, inspirando a otros realizadores a emular a Welles en su genialidad como director. También las escenas y los encuadres focales de la película fueron verdaderamente revolucionarios. El maquillaje es de gran factura, las escenas donde Kane es un anciano fueron meticulosamente elaboradas por medio de una máscara de molde maquillada con color piel. Por todo esto se la considera una obra maestra del cine del siglo XX.


Palabras clave:  Ciudadano Kane, Orson Welles, Oscar 1941, William Randolph Hearts.



2 - The Godfather:
 El padrino
 1972
Dir. Francis Ford Coppola
175 min
Drama
Estados Unidos
Reparto: Marlon Brando, Al Pacino, James Caan, Robert Duvall, Tom Hagen, McCluskey, Jack Woltz, Richard Conte.

Sinopsis: Vito Corleone es jefe de una familia de la mafia italiana de Nueva York. Cuando retorna de la guerra, su hijo Michael Corleone, no mira con agrado los negocios turbios de su familia que lo controlan todo el comercio e incluso la industria de Holywood, donde el padre Vito, tiene un protegido llamado Johnny Fontane. Vito Corleone, el Padrino, es un hombre de lealtades regido por un código moral que en el que nunca niega favores a sus amigos. Cuando Sollozzo, un cabecilla de otra pandilla, propone al Padrino colaborarle en ciertos negocios de estupefacientes,  intenta asesinarlo cuando Vito Corleone rechaza la oferta, estallando así una vendetta entre los dos bandos. Michael se va a Sicilia en un exilio temporal. Sonny, uno de los hijos de Vito Corleone, toma el mando de la pandilla y comienza una cadena de actos de venganza, incluido el crimen del propio Sollozzo. Al recuperarse del atentado Corleone retoma el mando y cesa la cadena de crímenes. Entiende que es la hora de reconciliarse con la familia enemiga. Tras un tenso periodo  de calma, Corleone muere de un ataque cardiaco. Ahora será Michael Corleone, tras su exilio siciliano quien tome las riendas del clan Corleone comenzando por ajustar cuentas con un rival llamado Barzini.

Comentario: Esta película es considerada por muchos, como cinta de culto en la historia del cine. Está basada en la novela homónima del escritor italiano Mario Puzo quien pretendía hacer dinero con ella, pero la tenía en poco aprecio. Robert Evans, un productor de Hollywood, conoció a Puzo y le compró los derechos de la novela. En 1969 la Paramount Pictures decidió llevarla a la pantalla. Desde ese momento comenzaron a trabajar juntos Puzo y Coppola adaptando el guión para el cine. Francis Ford Coppola por aquel entonces era un director cualquiera, con un puñado de películas a su haber pero sin un gran filme aun. Para adaptar la estructura narrativa de la novela al lenguaje cinematográfico, se acortaron escenas y diálogos, se suprimieron analepsis y pasajes secundarios demasiado largos.
Palabras clave: Vito Corleone, Francis Ford Copola, Mario Puzo.

3- Casablanca
Casablanca
1942
Director: Michael Curtis
Duración: 102 minutos
Drama
Estados Unidos

Reparto: Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains, Conrad Veidt, Sydney Greenstreet.

Sinopsis: Rick Blaine, es un norteamericano exiliado en Marruecos que administra un café. Allí se reunen oficiales nazis, ladrones y exiliados políticos. Un hombre llamado Ugarte llega al bar cierta noche con unas cartas: autorizaciones oficiales nazi para así cruzar las frontera a Portugal y embarcar hacia Estados Unidos. Antes de que Ugarte pueda vender los salvoconductos es asesinado por un miembro de la Francia de Vichy, colaboracionista nazi. Las cartas sin embargo quedan al cuidado de Rick. Sin embargo el sino trágico toca a las puertas de su vida: Ilsa su ex amante en París, llega una noche con su esposo Laszlo, un miembro de la resistencia checa en el exilio a comprar las cartas y así lograr llegar a Estados Unidos. Rick se niega a venderle los documentos. Al preguntarle este cual es la razón Rick le dice que se lo pregunte a ella. En el momento álgido de la discusión suena una canción de guerra alemana y Laszlo pide a la banda que ejecute la Marsellesa, el himno nacional francés. Un oficial  nazi ordena clausurar el club. Al terminar la velada Ilsa confronta a Rick y le pide las cartas amenazándolo de muerte con un arma. Al fin dice que no puede asesinarlo porque aun lo sigue amando, y justifica su actitud, explicándole que cuando eran amantes en París, ella se enteró que su esposo había sido liberado del un campo de concentración donde se hallaba preso y por eso lo abandonó. Todo era una trampa para hacerle creer que ella había huido de Francia y entonces, suponía, él haría lo mismo. Luego Laszlo se entera de que entre los dos hubo una relación. Rick trata de persuadir a ambos -para salvar a Ilsa- de que tomen los documentos y abandonen Marruecos. Entonces es apresado por los franceses de Vichy, y Rick para salvarle el pellejo, dice al francés que tiene una acusación aun más grave que hacer sobre Laszlo afirmando que posee las cartas oficiales nazis y que el viajará con ella hacia Estados Unidos. Luego Rick entrega las cartas a Laszlo y cuando Renault, el policía francés intenta apresarlo, Rick lo intimida con su arma y conduce a la pareja de esposos hasta las escaleras del avión. Al llegar un oficial nazi para intervenir, Rick le dispara. Renault salva la vida de Rick al llegar la policía, afirmando que él es inocente. Al final Rick dice a Luois Renault, que entre ellos ya ha comenzado una gran amistad.

Comentario: Casablanca obtuvo tres premios Oscar de la Academia: mejor película mejor guión y mejor director. Su reparto excelente y su impecable fotografía y guión  hacen de ella una verdadera joya. Es una película que fue estrenada en medio de la guerra, y tal razón, es una exaltación de los valores patrióticos y la redención por medio del amor y la fraternidad. Su director, el húngaro Michael Curtiz, se basó en una obra de teatro titulada “Everybody comes to Rick”.

Palabras clave: Casablanca, Humprey Bogart, Ingrid Bergman, Michael Curtiz, 1942, Cine de tiempos de guerra. 


4- Raging Bull
Toro Salvaje
1980
Director: Martin Scorsese
Duración: 129 minutos
Drama
Estados Unidos
Reparto: Robert De Niro, Cathy Moriarty, Joe Pesci, Frank Vincent, Nicholas Colasanto, Theresa Saldana.

Sinopsis: Jack La Motta es un ex boxeador que se apresta a salir al cuadrilátero en el hotel Barbizon Plaza. En los instantes previos lanza un discurso teatral al personal de servicio y la historia se retrotrae al año 1941. El muchacho Jack La Motta se enfrenta al boxeador Jimmy Reeves y pierde injustamente. Su hermano quien hace las veces de manager, lo ayuda para poder ganar a su rival Ray Sugar Robinson. Mientras tanto las cosas en su vida íntima no van nada bien: su mal carácter lo mantiene en una discusión constante con su esposa. Separado ya de su esposa, conoce a Vicky, adolescente de aspecto núbil que se mueve en el sórdido mundo de la drogas; pasa el tiempo, se casan y tienen hijos. Jack piensa que la vida le da una nueva oportunidad de felicidad, pero su inestabilidad emocional lo lleva a interrogar violentamente a Vicky sobre sus salidas. Sin embargo el continúa ganando peleas. Su carrera parece prometedora hasta que pierde contra Billy Fox habiendo hecho un acuerdo de antemano con la mafia, dando al traste así con su carrera.

Cometario: La película está basada en un libro autobiográfico del propio Jack la Motta. La película tiene una gran carga sicológica que lleva el personaje principal de Robert de Niro, quien encarna al temperamental boxeador, y quien se llevó el premio Oscar como mejor actor principal por el mismo. La fotografía impecable, el excelente guión y el montaje hicieron de Toro Salvaje una cinta épica, la historia del ascenso y caída de un gladiador moderno de las calles de Nueva York que termina vendiendo su alma al diablo.

Palabras clave: Martin Scorsese, boxeo, Robert de Niro, Jack la Motta.


5- Singing in the Rain
Cantando bajo la Lluvia
1952
Director: Genne Kelly, Stanley Donen
Duración: 103 min
Comedia Musical
Estados Unidos
Reparto: Gene Kelly, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Millard Mitchell, Cyd Charisse, Douglas Fowley, Rita Moreno.

Sinopsis: Un actor de cine mudo, Don Lockwood junto a un gran amigo Cosmo Brown ascienden al estrellato. Junto a su pareja Lina Lamont, son la sensación en los estudios, aunque todo hace parte de una estrategia comercial. En una ocasión Lockwood conoce a una tal Kathy Selden quien resulta ser corista en una compañía teatral, luego de haber despotricado del cine al hablar con él. Durante el rodaje de El Caballero Duelista, una película muda de gran éxito, tanto, que el productor y Lockwood deciden hacerla hablada pero fracasan por los fallos de sonido y los pésimos diálogos. De tal manera que sin otra elección deciden convertirla en musical.

Comentario: Arthur Freed, el exitoso productor de la Metro Goldwing-Meyer desde 1939 ya había logrado éxitos de tal magnitud como el Oscar, con Un Americano en París, un año antes de esta película. El mismo Freed fue quien bautizo la película Cantando Bajo la Lluvia desde mucho antes. Gene Kelly y Stanley Donen mostraron su disconformidad con ese nombre: la idea les parecía ridícula. Freed argumentó que había escrito esa canción y que quería hacer una película con ella. Kelly entonces impuso su escena de baile, que sería lo más recordado del filme.
La pareja de escritores harían más tarde el guión de Melodías de Broadway (1953) y Siempre Hace Buen Tiempo (1955) –esta, también con el dúo Donen/Kelly bajo la supervisión de Arthur Freed– para M.G.M.
Cantando Bajo la Lluvia no sería la misma película sin Donald O'Connor y sin el carisma juvenil  de Debbie Reynolds, en su primer protagónico con 19 años.
Palabras clave: Gene Kelly, Musical, Metro Goldwyn-Meyer.


6 – Gone With the Wind
Lo Que el viento se llevó
1939
Director: Victor Fleming
Duración: 222 min
Estados Unidos
Reparto: Clark Gable, Vivien Leigh, Leslie Howard, Olivia de Havilland, Thomas Mitchell, Hattie McDaniel, Fred Crane.
Sinopsis: Durante el baile de los Doce Robles en 1861, Scarlett O´Hara conoce a Rhett Buttler y se entera que Ashley Wilkes piensa casarse con su prima, Melanie Hamilton. Presa del despecho -pues el amor de su vida es Ashley-, Scarlett se casa con el hermano de Melanie, que muere al poco tiempo de sarampión. Rhett permanece siendo alguien importante en su vida y justo cuando se produce el incendio de Atlanta durante la Guerra de Secesión. Su obsesión y su amor, nunca correspondido por Ashley, no cejará a pesar del tiempo. Scarlett decide casarse, luego de dos matrimonios, con Rhett, sin llegar a quererlo realmente, y concibiendo una hija con él. Pasado el tiempo cuando muere Melanie, Scarlett se da cuenta del devoto amor que sentía Ashley por su difunta esposa Melanie y trata de reconciliarse con Rhett. Scarlett una vez más tomará la decisión de conquistar a su eterno amor.
Comentario: la adaptación realizada por David o. Selznick de la novela de Margaret Mitchell Lo que el viento se llevó, la convertiría en una epopeya de dimensiones sólo recordadas por El nacimiento de una Nación, de D: W. Griffith. Selznick compró los derechos de la novela y adaptó la historia de amor entre Scarlett y Rhett convirtiendo al libro en uno de los más célebres después de la misma Biblia, haciendo del filme una verdadera leyenda. La fórmula del secreto tras la producción se halla en varios factores: el minucioso casting llevado a cabo por Selznick, que lo llevó a contratar a Clark Gable -el galán del momento-; la búsqueda de la Scarlett ideal, que lo llevó a buscar entre Katherine Hepburn y Pauline Goodard, para decidirse por Vivien Leigh, una joven actriz inglesa casi desconocida. La película terminaría siendo la más larga y costosa hasta entonces filmada. Su estreno mundial fue en Atlanta, en diciembre de 1939. Siendo nominada a trece premios de la Academia, el filme obtuvo al final ocho estatuillas.

Palabras clave: Margaret Mitchell, Guerra Civil, Clarke Gable, Vivien Leigh.


7- Lawrence de Arabia
Lawrence de Arabia
1962
Director: David Lean
Duración: 216 min
Reino Unido
Reparto: Peter O'Toole, Alec Guinness, Anthony Quinn, Jack Hawkins, Omar Sharif, José Ferrer, Anthony Quayle.
Sinopsis: Thomas Eduard Lawrence, el gran escritor y aventurero británico, muere en un accidente de moto en 1935. Durante sus funerales en la catedral de San Pablo, sus amigos recuerdan la época cuando fuera un joven teniente enviado a El Cairo, donde siendo parte del servicio de inteligencia le fue encargada la misión de contactar al príncipe Faysal que se hallaba en guerra contra el imperio Otomano, que por entonces invadía sus tierras y era un aliado del imperio Alemán. Al mando de un destacamento logran asaltar Aqaba, un puerto en Turquia, levantando así la moral de las tropas tribales.Con apoyo de los británicos, se convierte en héroe de los guerreros nativos hasta ser capturado por los turcos. Tras conquistar Damasco e instaurar un consejo Árabe asiste al triunfo político de Feisal y Allenby, a costa del desmoronamiento de la unidad árabe.
Comentario: David Lean, dirigió en 1965 Doctor Zhivago, la crítica la califico como vacua y llena de romanticismo gratuito. Pero con Lawrence de Arabia, el carácter épico lleno de emotividad con que se narra la vida del aventurero y erudito escritor británico D.H. Lawrence, le valieron el reconocimiento absoluto. La elección de Peter O´Toole, un discreto actor británico que le confirió la profundidad al magistral guión, fue una de las cartas ganadoras. El desierto hace las veces de escenario del viaje interior de Lawrence y su posterior crisis de identidad. Es una reflexión convertida en acción. Nominada a diez premios de la academia, la película ganó siete entre los que figuran mejor película y mejor director.      

Palabras clave: Peter O'Toole, David Lean, D.H. Lawrence, Anthony Queen, Omar Shariff.

8- Schindler´s List
La Lista de Schindler
1993
Director: Steven Spielberg
195 min
Estados Unidos
Drama
Reparto: Liam Neeson, Ralph Fiennes, Ben Kingsley.
Sinopsis: Durante la ocupación de Cracovia, Oskar Schindler, un industrial alemán perteneciente al partido nazi, aprovecha la mano de obra barata para su industria. Cuando llega a un acuerdo con el comandante del campo de concentración, dispone de mano de obra de trabajadores judíos para su fábrica de artículos de cocina. Itzhak Stern, su contador es un hombre indispensable para el funcionamiento de la fábrica. A medida que avanza la guerra y al percatarse de la brutalidad, cada día en aumento, de los nazis contra los judíos, Schindler decide hacer algo para evitarlo. Decide contratar cada vez más mano de obra judía, llegando a tener 1.200 trabajadores a su servicio. Al final Schindler se da cuenta de que salvar a todos los judíos del Holocausto es imposible.    
La película tiene características de documental lo que la equipara prácticamente a un documento histórico. Spielberg cámara en mano, dando tal impresión de realismo que el  espectador no puede permanecer indiferente si se piensa que todo ello sucedió realmente y de forma mucho más cruenta de la que se nos muestra. La niña del vestido rojo es una muestra del estilo narrativo sutil y diciente de Spielberg, que representa el genocidio y el derramamiento humano fútil y despiadado.

Comentario: El empresario alemán Oskar Schindler, al principio fue indiferente al sufrimiento de los judíos, pero al ver los atropellos nazis contra el pueblo judío, tal como lo cuenta el filme, quiso ayudar hasta el último de Polonia. Su historia rescatada por Spielberg, hizo despertar el sentimiento antinazi en todo el mundo. De hecho la tumba de Schindler se halla ubicada en Jerusalén pues el gobierno israelí incluso llegó a ofrecerle asilo. Schindler murió en Alemania en 1974, agobiado por la indigencia total.  Spielberg preparó la película por casi diez años. Fue una película que desde que su exhibición pública ya recibía comentarios favorables de la crítica y el público. Es de alguna manera, la cuenta saldada del director con sus antepasados judíos. Ganó siete premios Oscar, entre los que están mejor película, mejor director, mejor fotografía, mejor guión adaptado y mejor banda sonora.         

Palabras clave: Steven Spielberg, Holocausto Nazi, Oskar Schindler, Itzhak Stern.


9- Vertigo
Vértigo
1958
Director: Alfred Hitchkock
Duración: 128 min
Estados Unidos
Suspenso
Reparto: James Stewart, Kim Novak, Barbara Bel Geddes.
Sinopsis: El detective Scottie Ferguson que padece de vértigo se retira del servicio cuando un compañero cae al vacío durante una persecución. Gavin Elster, un antiguo compañero de estudios le contrata para vigilar discretamente a su esposa Madeleine.
Su mujer sufre de melancolía. Cree estar poseída por su bisabuela, Carlota Valdés, muerta cien años antes, con ánimo de matarla. Scott la sigue por toda la ciudad: cementerios, tiendas, hoteles, museos,  etc. Al mismo tiempo empieza a investigar la trágica historia de Carlota Valdés. Intenta evitar el suicidio de Madeleine, que finalmente, no se lanza desde la torre de un campanario. Se encuentra con la certeza de que estaba enamorado de Madeleine y entra en estado de depresión.
Luego encuentra a otra mujer, Judy Barton y entonces no puede evitar hacer un vinculo con la difunta Madeleine. Intentando recobrarla, se hace amigo suyo e intenta transformarla en su antiguo recuerdo, la hace vestirse y actuar como la muerta.
Comentario: el filme fue rodado en los estudios de la Paramount Pictures entre los meses de setiembre y diciembre de 1957, así como en los exteriores de San Francisco, California. Su guión está inspirado en la obra literaria De Entre los muertos de Pierre Boileau y Thomas Narcejac; Alec Coopel adaptó el guión, y Samuel Taylor un dramaturgo, otra vez, lo reescribió. Vértigo es una muestra de las dotes narrativas de Hitchcock. Su atmósfera cargada de elementos trágicos, le dan ese aire de estilo negro, con el toque magistral del director británico. James Stewart logra una conjunción esplendida con Kim Novak, para hacer del papel de Madeleine realmente un carácter excelente.    
Vértigo fue recibida con cierta frialdad por crítica y público. Mientras que en Francia, la crítica francesa, entre ellos François Truffaut y Jean-Luc Godard, rescataron el talento de Hitchcock, dándole un estatus de gran director, que ahora tiene. Vértigo es una verdadera obra maestra del suspenso.

Palabras clave: Alfred Hitchcock, James Stewart, Kim Novak.

10- Wizard of Oz
El Mago de Oz
1939
Director: Victor Fleming
Duración: 101 min
Estados Unidos
Musical
Reparto: Judy Garland, Frank Morgan, Ray Bolger, Jack Haley, Bert Lahr, Billie Burke, Margaret Hamilton.
Sinopsis: Un ciclón arrastra la humilde casa donde la pequeña Doroty donde vive con sus dos tíos. Va a dar por los aires al país de los Golositos, al aterrizar la casa, aplasta a la perversa bruja del Oriente. Glinda, una bruja buena, le entrega un par de zapatillas color rubí y la envía donde el poderoso Mago de Oz. Dorothy se encuentra de camino con un Espantapájaros quien busca un cerebro; un Hombre de hojalata que busca un corazón y un León que busca el valor. El Mago dice que les ayudará si roban la escoba de la Bruja del Oeste. Dorothy y Toto, su perro caen en sus garras, pero sus amigos les rescatan y vencen a la Bruja. Pese a que el Mago y sus poderes resultan en un fraude, los tres amigos hallan las cualidades buscadas gracias a su esfuerzo.
Dorothy, siguiendo un ritual mágico golpea sus zapatillas una contra otra diciendo: «No hay lugar como el hogar», entonces retorna por arte de magia a Kansas. La bruja buena le indica que a sólo través del  Mago de Oz podrá retornar. Emprende sola el largo viaje viaje. Durante el camino conoce a un espantapájaros que anhela poder pensar; un leñador de hojalata sin corazón y a un león asustadizo. Viajan juntos camino de la ciudad Esmeralda, hogar del gran mago de Oz. Cada uno lleva un deseo: un cerebro, el espantapájaros; un corazón, el leñador; el león, valor; Doroty, conseguir compañía y afecto de su familia. El anhelo será el motor de su búsqueda.
Comentario: de todos los libros de Frank Baum que se han adaptado al cine, esta adaptación musical por parte de la Metro-Goldwyn Mayer, es aun la más famosa.  Pese a que el rol de Judy Garland representando a Dorothy Gale parece inseparable, los estudios primeramente habían pensado Shirley Temple o Deanna Durbin para el papel. Judy Garland, quien a sus diecisiete años era algo mayor para el papel, fue un asunto sin importancia. Garland aportó al papel un aspecto de inocencia, vulnerabilidad y sorpresa ante las cámaras, la academia la premió con un Oscar especial por la mejor interpretación juvenil de ese año.
Palabras clave: Judy Garland, Frank Baum, Victor Fleming.

11- City Ligths
Luces de la Ciudad
1931
Director: Charles Chaplin
Duración: 86 min
Estados Unidos
Comedia
Reparto: Charlie Chaplin, Virginia Cherrill, Florence Lee, Harry Myers.
Sinopsis: Un golfo callejero, sin techo y sin comida, queda prendado de una vendedora de flores ciega. Su amistad casual con un millonario al que salva providencialmente de morir, y que tras la resaca jamás recordará haber cruzado palabra con él, le sirve como herramienta para ganarse la atención de la muchacha. Una ocasión, tras haber probado suerte en diferentes maneras de ganar dinero, se encuentra de nuevo al millonario ebrio al que el mendigo pide mil dólares y a quien éste se los entrega gustosamente. Una vez sobrio, el millonario hace apresar al hombre, quien le ha dado el dinero a la florista quien estaba a punto de dar a la calle y quien se hace operar de los ojos. El mendigo va a dar a la cárcel y luego de un tiempo, cuando sale del presidio, la florista lo reconoce como su benefactor.
Comentario: Chaplin, convencido de que el cine sonoro no era algo pasajero, detuvo temporalmente la realización de su última película reflexionando sobre su proyecto cinematográfico que solventara de su propio bolsillo. Aunque Luces de la ciudad -estrenada en 1931- tiene una banda sonora compuesta por Chaplin así como algunos efectos sonoros; sin embago, es todavía una película muda (era ya el quinto año de la era del cine sonoro). Chaplin se arriesgó y el filme tuvo una respuesta inmediata en el público. Bernad Shaw, Winston Churchill e incluso el director ruso Sergei Eisenstein,  no pudieron evitar derramar algunas lágrimas durante la proyección. El caluroso recibimiento del público nostálgico de cine mudo, fue buen augurio para Chaplin. Todavía hoy sigue siendo una de las películas más importantes de la historia. Su frescura en las interpretaciones demuestra que el arte permanece incólume ante las innovaciones técnicas.
Su línea argumental simple, ofrece una capacidad de matices que sólo Chaplin podía conseguir y que en esta película alcanzar el punto máximo de sutileza en la expresividad. «Contemplar esa escena hace que a uno se le encoja el corazón…  además, es la más grandiosa actuación jamás vista en una pantalla y una de las cumbres de la historia del cine», dijo un critico, sobre la escena final entre la florista y el vagabundo.
Palabras claves: Charles Chaplin, Cine mudo.

12- The Searchers
Centauros del desierto
1956
Director: John Ford
Duración: 119 min
Estados Unidos
Reparto: John Wayne, Jeffrey Hunter, Vera Miles, Natalie Wood, Ward Bond.
Sinopsis: Luego de la derrota del ejército confederado en la Guerra de Secesión, Ethan Edwards vive con su hermano Aaron en el rancho. Se halla ausente con los Texas Rangers al momento en que los comanches asalten el rancho, asesinar a todos y secuestran a Debbie y Lucy sus sobrinas. En su obsesivo deseo de venganza, parte en su persecución junto a Martin Pawley y Brad Jorgensen. En el camino, halla el cadáver de Lucy y enfrentará la muerte de Brad. Su persecución continúa por cinco años y, al fin cuando hallan a Lucy, se mostrará reacia a ir con ellos. Pawley interviene evitando que Edwards, convencido de que se ha convertido en una salvaje comanche, la mate. Mientras preparan un ataque contra el campamento comanche, Pawley va a rescatar a la joven. Cuando termina el asalto, la chica se enfrentará a Edward, que finalmente le respeta la vida y  la trae de retorno a casa.
Comentario: Centauros del Desierto es una compleja y sombría fábula acerca del afán de venganza y la búsqueda de la identidad personal. John Ford consiguió con ella su logro mayor en el género del western. La virtud de Centauros del desierto reside en la habilidad de convertir una de las líneas arguméntales básicas del western, en una profunda reflexión bien lograda iconográfica y psicológicamente, acerca del género su semiótica subyacente. John Wayne ofrece una interpretaciones perdurable en el papel de Edwards, quien odia a los indios pero paradójicamente su naturaleza sicológica lo acerca a su estado salvaje.
A medida que avanza la búsqueda de Debbie, los dilemas morales y de personalidad se van multiplicando. Su costumbre, adoptada de los indios comanches, de cortar cabelleras resulta tan salvaje como las mismas atrocidades perpetradas por ellos y poniendo de manifiesto que el propio Edwards se halla atrapado en una tierra de nadie psicológica y concreta, como queda expuesta en la simbólica de la escena final, cuando vacila en el instante previo a la entrada de la casa y antes de cerrar definitivamente la puerta.
El carácter de Wayne se halla entre los dos polos que propone la película. Por un lado, sus costumbres le excluyen de la civilización que representan el hombre blanco, por otro, se niega a aceptar los lazos que le unen con mundo de los detestados indios y su existencia salvaje. El dilema de este personaje ambivalente tiene resonancia por ser interpretado por John Wayne, el actor que representa el súmmum del héroe clásico del western. El atractivo intemporal de Centauros del desierto debe buscarse en el hecho de que es en el fondo un soberbio relato de aventuras, pero por otro lado, sus implicaciones van más allá y lo hacen por encima de todo ello, un análisis de los valores propios del género western.
Palabras claves: John Ford, John Wayne, Western.


13- Star Wars
La Guerra de las Galaxias
1977
Director: George Lucas
Duración: 121 min
Estados Unidos
Reparto: Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Peter Cushing, Alec Guinness, Anthony Daniels, Kenny Baker, Peter Mayhew, David Prowse.
Sinopsis: la princesa Leia, tras su captura por Grand Moff Tarkin, logra implantar un holograma en el robot R2D2 que, en compañía de otro robot, C3P0, consigue escapar. Luke Skywalker, quien ha adquirido ambos a un vendedor de chatarra, halla el mensaje de Leia y busca a Owi-Wan Kenobi, quien le informará que su padre fue un caballero Jedi y tratará de instruirle en la disciplina de «La Fuerza», un poder interior similar al zen. Luego de que sus parientes han sido muertos por los hombres de Tarkin, Luke contrata al piloto Han Solo para que le lleve él y a Obi-Wan hacia la Estrella de la Muerte. Mientras el grupo salva a la princesa Leia, Obi-Wan muere confrontándose a Darth Vader, dándole antes «La Fuerza» a Luke. Al arribar al planeta rebelde, Luke Skywalker se presenta como voluntario en un ataque aéreo contra la Estrella de la Muerte y apoyado por Han Solo la destruye.  Dark Vader sin embargo resulta ileso y dispuesto a volver a dar guerra.

Comentario: El filme La guerra de las galaxias  fue un suceso sin precedentes en la historia del cine de aventuras de alto presupuesto, llena de efectos especiales, que coparon las listas de éxito en la década siguiente a su aparición. Para George Lucas y Steven Spielberg, los filmes de la serie B de Hollywood y los seriales de bajo presupuesto que vieron durante su infancia fueron los que los inspiraron para sus obras de mayor éxito. Definida básicamente como un conflicto entre el bien y el mal -el joven héroe, Luke Skywalker, y  su enemigo Darth Vader y su Imperio, la película supone un cierto avance con respecto a la moralidad simplista de por ejemplo Flash Gordon. La superioridad moral de la cruzada emprendida por Luke Skywalker es una batalla contra las fuerzas oscuras que anidan en su interior, donde se entera que Vader es su padre.
De todos modos la película es algo más que un mero despliegue de acción, su gran taquilla le debe también mucho a la maestría de su ejecución. En la ceremonia de los premios Oscar se llevó todas las categorías técnicas: efectos especiales, montaje, sonido, dirección artística, banda sonora y por vestuario. 
Palabras clave: George Lucas, Ciencia Ficcion, Dark Vader, Luke Skywalker.

14- Psycho
Psicosis
1960
Director: Alfred Hitchcock
Duración: 109 min
Estados Unidos
Suspenso
Reparto: Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam, Virginia Gregg, Jeanette Nolan.
Sinopsis: Huyendo con 40.000 dólares, Marion Crane, busca hospedaje en el motel Bates. Norman el hijo de la anciana propietaria, decide darle hospedaje al hombre, pese a la tajante oposición de ella. Luego Norman encontrará brutalmente apuñaleada en la ducha a Marion, y se verá obligado a deshacerse de su cadáver. Luego llega al establecimiento un detective privado siguiendo el rastro de Marion, siendo también asesinado a machetazos por Norman. Después Lila, la hermana de Marion, junto a Sam Loomis, llegan al motel. Mientras hacen pesquisas buscando por todo el hotel Crane golpea a Sam dejándolo inconsciente; al mismo tiempo, Lila, halla el cadáver de la señora Bates. Justo en ese instante Norman vestido con las ropas de la señora Bates, intenta asesinar a Lila, siendo detenido por Sam. Norman Crane, ya apresado, intentará covencer a todos de su supuesta inocencia.
Comentario: dentro del género del cine de suspenso y en la totalidad de la obra de Hitchcock esta película puede considerarse como una de las verdaderas obras maestras. Su impresionante despligue ténico, en lo que se refiere a la estructura narrativa, los elementos propios de la atmósfera zozobrante con encuadres y tomas de gran impacto sicológico, aunado a las inmensas dotes musicales de Bernard Hermann, consiguen que el espectador participe con las emociones que le entrega la película. Inspirada las macabras acciones de Ed Gein, un asesino serial apodado "El necrófago de Wisconsin", en cuya noticia se inspiró Robert Bloch para escribir Psicosis, novela que da el título al filme y asocia definitivamente su nombre a ella.
El uso del blanco y negro y las técnicas empleadas en la realización son reflejo de la destreza que Hitchcock había adquirido rodando para televisión así como el limitado presupuesto otorgado por la producción, no eran buen augurio. El reducido presupuesto afectó el reparto y el rodaje, pero el director persistió. Hitchcock la tuvo como muestra de cine sicológico; otros  la tenían como una simple atracción más de temporada. La película tuvo sendas nominaciones pero ningún premio.
Palabras Clave: Robert Bloch, Alfred Hitchcock, Bernard Hermann, Anthony Perkins.

15- 2001: A Space Odyssey
2001: Odisea en el espacio
Director: Stanley Kubrick
Duración: 141 min
Estados Unidos
Ciencia ficción
Reparto: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester, Daniel Richter, Leonard Rossiter,Margaret Tyzack, Robert Beatty.
Sinopsis: Tras el hallazgo de un misterioso monolito de granito negro un grupo de hombres mono, súbitamente comienzan a notar un ascenso evolutivo de su inteligencia. Luego, en el futuro, se descubre enterrado en la luna un monolito idéntico que emite señales hacia el planeta Júpiter. Una nave es enviada para investigarlo. Los tripulantes encabezados por el comandante Bowman  Poole, tres compañeros que permanecen en estado de hibernación y un ordenador infalible llamado HAL, que controla la nave.  
Mientras descansan, HAL, mata a los astronautas que hibernan deja a Poole vagando en el espacio. Tras neutralizar a HAL, Bowman continuará su viaje. Cerca a Júpiter divisa un monolito y entra en una dimensión desconocida, allí encuentra a su doble envejecido. Al acercarse al monolito retorna a ser el feto que dará origen a una nueva humanidad.
Comentario: basada en la novela de Arthur C. Clarke, 2001 Odisea del espacio, es una película que toma la historia humana y su futuro como argumento. La célebre escena en que con una herramienta ósea del hombre primitivo sale volando por los aires para transformarse en una inmensa nave espacial en órbita. Las interpretaciones a las que ha dado lugar el filme, van desde mostrar al espectador el avance relativo de la humanidad en la técnica para llegar al dominio de la naturaleza, hasta el destino individual representado en la escena final.
Se ha alegado por muchos críticos que la película adolece de calidez y transpira cierta frialdad. Resulta paradójico, pues Kubrick, lo que intentaba hacer era una metáfora para advertirnos hasta donde nos había de llevar el vertiginoso avance de la tecnología. Su logro es de tal perfección en la puesta en escena y la ejecutoria del filme –sumado a la impecable banda sonora con música de Gyorgy Ligeti, Johann Strauss y Richard Strauss, con su evocador inicio nietzscheano- que consigue dar esa impresión de friadad pura y maquinal en las atmósferas al interior de la nave.
Nominada a cuatro premios de la Academia, recibió el Oscar por mejores efectos especiales. Sus dividendos fueron de 24 millones de dólares. Este filme consagró a Kubrick como maestro indiscutido de la vanguardia del celuloide.
Palabras Clave: Kubrick,  Arthur C. Clarke, 2001 Odisea en el espacio.

16- Sunset Bulevard
1950
Director: Billy Wilder
Duración: 110 min
Estados Unidos
Drama
Reparto: Gloria Swanson, William Holden, Erich Von Stroheim, Nancy Olson, Jack Webb, Cecil B. De Mille, Hedda Hopper, Buster Keaton, H. B. Warner.
Sinopsis: un guionista de cine desempleado Joe Gillis tiene el agua hasta el cuello de deudas, con acreedores siguiéndole el rastro, se refugia en una mansión en apariencia abandonada. Cuando Norma Desmond la propietaria, quien fuera una ex actriz del cine mudo, quien vive con su criado,  Max Von Mayerling Joe, lo ve, lo confunde con un empleado de pompas fúnebres que vendría para enterrar a su mascota, pero luego al aclararle que es guionista, la señora Desmond le contrata para escribir un guión. Sin querer Joe se instala en la ruinosa mansión y poco a poco empieza a tratar de ganarse la confianza de Desmond para conseguir su dinero. Al mismo tiempo empieza una relación con Betty. El giro de tuerca tiene lugar al enterarse Desmond de las actividades de Joe quien la confronta tras romper con Betty. En la acalorada discusión Norma Desmond le dispara a Joe, cuyo cadáver terminará flotando en la piscina de la mansión.
Comentario: En 1999, el Instituto Fílmico Americano puso en el doceavo puesto de las cien películas más importantes de ls historia. El éxito del filme quizá obedezca a sus magistrales actuaciones. La actuación de Gloria Swanson como Norman Desmond, quién fuera durante la era del cine mudo, una actriz sin mucha relevancia. La fuerza del guión pone de relieve las capacidades histriónicas de Swanson. En la escena en la que se indigna contra la actitud de desprecio de Hollywood hacia los actores del cine mudo, es una verdadera joya, con Swanson recortada de perfil contra la luz del proyector. A pesar de su éxito en Hollywood, Sunset Boulevard no le granjeó muchos amigos a Billy Wilder. Las expresiones del público durante la primera proyección fueron desconcertantes: una actriz se inclinó a los píes de Gloria Swanson a besar su vestido en signo de adoración; Louis B. Mayer, por su parte, lleno de indignación levantó su puño para condenar a Wilder:"deberíamos echar a Wilder del seno de Hollywood; ha arruinado nuestra industria tiñéndola de desgracia". De su nominación a 11 premios, recibió cuatro: guión, dirección artística, decorados y edición.
 
17- The Graduate
El Graduado
1967
Director: Mike Nichols
Duración: 105 min
Estados Unidos
Drama
Reparto: Anne Bancroft, Dustin Hoffman, Khatarine Ross, Murray Hamilton.
Sinopsis: Tras graduarse con honores de la universidad, Benjamin Bradock, se halla con la encrucijada que representa su futuro como profesional en los círculos de la alta sociedad en que se mueve. En un baile en honor del graduado, Mrs Robinson pide a Benjamin que la lleve a su casa. Ella lo seduce y los dos se trenzan en una relación íntima. Benjamin conoce a la hija de su amante, Elaine, por quién se siente atraído. Al percatarse, Mrs Robinson trata de alejarla de Benjamin diciendo a Elaine que él la ha violado. Cuando Elaine, que tiene un compromiso matrimonial con un tal Carl Smith,  escucha la versión de Benjamin, decide creerle a él y no a su madre. Durante la boda de Elaine, Benjamin llega a la iglesia y huye con la joven antes de que se case con su novio.
Comentario: el director Mike Nichols tenía en mente un filme que hiciera una crítica del excéntrico de las familias de Los Ángeles. También pretendía reflexionar acerca de las ambiciones y proyectos de una generación que atravesaba por una crisis de valores -Estados Unidos libraba una guerra en Vietnam, donde gran parte de su juventud se inmolaba fútilmente-, cuestionando el conservadurismo político de la generación de los cuarentas.
Nichols tuvo en mente para el casting inicialmente al carismático Robert Redford, quien por su atractivo físico no resultaba particularmente ideal para el personaje de un muchacho tímido con las mujeres. Al fin, el director encontró a Dustin Hoffman que encarnaba perfectamente el prototipo del joven inocente de extracción pequeño burguesa, cuya relación con una mujer madura representa un cuestionamiento de los valores cambiantes de la burguesía. El enfoque sicológico en la visión personaje por la técnica narrativa del director, que se va tronchando a medida de que su realidad va siendo trastornada, es una constante a través de la película.
La frescura de la banda sonora y las problemáticas juveniles recreadas en el filme, hacen de esta una películas más célebres de los sesentas y que le otorgó a Nichols el galardón a mejor dirección.

Palabras clave: Mike Nichols, Dustin Hoffman, Mrs Robinson.

18-The General
La Maquinista de la General
1926
Directores: Clyde Bruckman y Buster Keaton
Duración: 74 min
Comedia
Reparto: Buster Keaton, Marion Mack, Glen Cavender, Jim Farley.
Sinopsis: durante la Guerra Civil, John Gay, es un maquinista que se presenta como voluntario al ejército confederado pero resulta rechazado, por cuanto su oficio resulta vital y no puede ser descuidado. A causa de esto Anabelle su novia rompe su compromiso, creyendo que John es un cobarde. Tiempo después, mientras John conduce el tren a bordo del cual va Anabelle, éste es capturado por los soldados de la Unión. Tras el hecho John emprende la persecución y logra capturar de nuevo el tren. Ya en terreno enemigo, el maquinista prende fuego al tren, que ahora es de provisiones de la Unión, y lo hace precipitarse a la altura del puente Rock River. Por causa del azar su hazaña, el ejército confederado logra concretar una victoria en el frente del sur, por lo que es condecorado como oficial recuperando a Anabelle.

Comentario: Buster Keaton es uno de los actores más célebres de la era del cine mudo. Su posterior surgimiento por parte de la crítica, hace que La Maquinista de la General, sea su obra más aclamada por sus precisas caracterizaciones, su despliegue de dotes técnicas y su meticulosidad de dirección.
El argumento del filme se basa en hechos reales sucedidos durante la Guerra Civil. El cómico estoicismo del personaje del maquinista logra conferir fuerza a la caracterización. Las tomas de los planos generales, consiguen transmitir espectacularidad en las escenas cómicas con las que la precisión de Keaton, hace contrastar las acciones entre lo heroico y lo cómico. Una de las destrezas de dirección de Buster Keaton, consiste en dar impresión de sencillez en las actuaciones, haciendo que el espectador disfrute sin percibir el tremendo esfuerzo técnico de la ejecución de sus obras.
Palabras clave: Buster Keaton, Guerra Civil, La Maquinista de la General.

19- On the Waterfront
La Ley del Silencio
1954
Director: Elia Kazan
Duración:108 min
Drama
Reparto: Marlon Brando, Eva Marie Saint, Karl Malden, Lee J. Cobb.
Sinopsis: dentro de una banda de matones que tiene control sobre el sindicato de estibadores Terry Maloy, es usado por Charley para tenderle una trampa a un  miembro de sindicato que se niega a cooperar. El padre Barry y la hermana del difunto, Edie, quieren llevar ante la justicia a los responsables del asesinato. Charley ordena a su hermano Terry, espiar las actividades de Edie. Al conocerla se enamora de ella, y al morir un testigo clave en la investigación, Terry revela a Edie su participación en el crimen. Luego Terry declarará ante el jurado contra la banda; Charley muere asesinado a manos de la banda por no evitar la traición de Terry. Éste recibe una golpiza e intenta redimirse llevando a los trabajadores de vuelta a sus actividades.
Comentario: basada en una crónica periodística en la que el escritor Bud Shulberg narra las acciones criminales en los muelles. El propio Kazan y Schulberg, el escritor de la novela, fueron en su momento llamados a descargos por el célebre Comité Antiamericanos. Algunos críticos han pretendido ver en el personaje de Terry Maloy un alter ego de ambos creadores para redimirse.
El papel de Terry, pensado inicialmente por Kazan para Frank Sinatra, terminó haciendo de las características actorales de Marlon Brando una de las cualidades principales de la película. Una escena particularmente famosa, en la que Brando, en una conversación en apariencia vulgar dentro de un taxi con Charlie, resulta en unas líneas magistrales en que gira en eje dramático del filme. Brando, que poco a poco iba forjando su extraordinaria carrera actoral, comenzada un par de años atrás con Un Tranvía llamado deseo de 1951 sobre la obra de Tenesse Williams, ganaría el galardón por mejor actor ese año.
Palabras clave: Elia Kazan, Marlon Brando, Terry Maloy. 

20- It's a Wonderful Life
Qué Bello es el vivir
1946
Director: Frank Capra
Duración: 129 min
Reparto: James Stewart, Donna Reed, Lionel Barrymoore, Thomas Mitchell.
Sinopsis: el personaje de George Bailey, ha llevado una vida dedicada a una empresa de hipotecas familiares. Su vida en apariencia estable hasta que el tío Billy, pone la herencia familiar en manos de un inescrupuloso banquero. George se ve de repente ante la inminente posibilidad de la ruina o la prisión, por lo tanto, toma la decisión de acabar con su vida de una buena vez. Justo antes que hecho se consume, la visión de Clarence un ángel que le mostrará qué sería de las vidas ajenas de no ser por su existencia, le hacen repensar su idea de que la vida carece de sentido.
Comentario: el idealismo romántico quizá influenciado por Dickens, que Capra comunica a los espectadores de esta película, han dado píe a los críticos para juzgarlo como un sentimentalista ingenuo. Lo cierto es que ésta ejecución cinematográfica de gran factura, no tiene discusión en lo que a calidad se refiere. El Gran Regalo, un relato corto de espíritu navideño escrito por Charles van Doren, sirvió de base al filme. El papel fue destinado inicialmente al eterno galán, Cary Grant, fue dado a James Stewart, recién llegado de la guerra igual que Capra. El uso de los primeros planos, revelando la turbulencia sicológica de los personajes, de una impresión de gran expresividad, en especial, por parte de James Stewart. La impecable narración y el elemento emocional implícito en toda la historia la hacen ser recordada como un clásico de todas las épocas, siendo incluso a veces comparada a la obra de Charles Dickens A Christmas Carol.
Su estreno en las salas de cine, significó un fracaso de taquilla, pese a estar nominada a cinco premios de la Academia, de los que no consiguió ninguno. Pese a ello, el tema navideño y el cariño de la gente por la entrañable sencillez y belleza de la película, la hacen merecedora de tener un sitio entre las favoritas de la historia.
Palabras claves: Frank Capra, James Stewart, Charles Van Doren.

21-Chinatown
Barrio Chino
1974
Director: Roman Polanski
Duración:131 min
Reparto: Jack Nicholson, Faye Dunaway, John Houston.
Sinopsis: una mujer contrata a J.J Gittes, para que siga a un hombre, haciéndose pasar por su esposa. Cuando aparece el cuerpo del señor Mulway, su verdadera esposa demanda al fotografo por las tomas donde su difunto esposo aparece con una jovencita y que son publicadas por un pasquín. El fotógrafo logra deducir en sus pesquisas varios puntos cruciales: el cadáver de Sessions, la pista de Noah Cross, un terrateniente y el rol de Mulway en la construcción de una presa. Gittes, sabrá después que Cross junto a Katherine su hija son complices; y que Ewelyn fue violada por Cross. Al final la joven morirá en Chinatown, tratando de huir junto a unas mujeres cruzando México.
Comentario: el filme de Polanski, trata sobre el fenómeno del mal inherente, a la condición humana aunque focalizada argumentalmente en la sociedad ausente de valores de los Estados Unidos de los años treinta. De alguna manera, puede verse como un homenaje a las novelas del género negro de Dashiel Hammet y Raymond Chandler. Polanski logra tomar distancia en la realización del filme, de la tumultuosa atmósfera de Los Ángeles de la década de los treintas con su visión de extranjero ausente de romanticismos particulares. De acuerdo al guión original de Robert Towne, un ex agente de policía, Ewelyn la joven violada por Cross lograba escapar a sus garras; pero el filme de Roman Polanski, no visumbra una luz de  esperanza al final del tunel, en su visión tan sombría para el personaje.
Las actuaciones magistrales de Jack Nicholson, pero especialmente de Faye Dunaway, hacen que el espectador se concentre en el hilo de la narración. La película con once nominaciones al Oscar,  fue premiada con sólo un premio al mejor guión. El intento de continuar con la saga de la obra tuvo lugar en la década de los noventa con Two Jackes, dirigida por Jack Nicholson, sin repercusiones mayores por parte de la crítica.
Palabras claves: Roman Polanski, Jack Nicholson, Chinatown. 


22- Some like it Hot
Con faldas y a lo loco
1959
Dirección: Billy Wilder
Duración: 120 min
Estados Unidos
Comedia
Reparto: Marilyn Monroe, Tony Curtis, Jack Lemmon, George Raft, Pat O'Brien, Joe E. Brown
Sinopsis: la vida de dos cantantes de jazz, Jerry y Joe, toma un giro imprevisto cuando por casualidad presencian una masacre entre dos bandas de la mafia de Chicago. Ante la amenaza de ser liquidados, deciden emprender un largo viaje hasta Florida. Allí logran infiltrase en una orquesta femenina como Daphne y Josephine, respectivamente. Si bien las nuevas integrantes no son un dechado de belleza, logran pasar desapercibidas para casi todo el mundo. Parece la coartada perfecta, hasta que Josephine se encapricha de una hermosa cantante rubia; igual suerte correrá Daphne de la que un viejo tumbalocas se prenda.
Comentario: Wilder con su genial sentido del humor, nos hace vivir las peripecias de dos hombres travestidos de mujer, huyendo de la mafia. Ubica su relato en los gloriosos y decadentes años veintes, con su despliegue de habilidad narrativa, donde el giro de tuerca se vuelca en la situación común de la “comedia de las equivocaciones”, tan antigua en el arte como lo fuera ya desde los tiempos de Shakespeare. La excelente historia que es un guión del propio Wilder y Diamond, basada en parte de anécdotas vividas  en la Berlín de aquellos años y en un relato previo de un par de autores. Some like it Hot, cuya traducción es un poco descabellada al español, teniendo en cuenta que al parecer tiene que ver con el ritmo desenfrenado que el jazz adquiría en los salones de baile, tornando su interpretación en verdadera hot music.
Los roles de Tony Curtis y Jack Lemmon, dan al filme su toque particular junto a una grandiosa Marilyn Monroe, que en algunas escenas despliega sus dotes escénicas y musicales cantando dos temas: "I wanna be loved by you" y "I'm through with love".
Una verdadera obra maestra del género comedia, con escenas memorables como la que representan el viejo verde, interpretado por Joe E. Brown y Jack Lemmon bailando “La Cumparsita”; memorable es también e final, donde Lemmon tras un montón de peros para persuadir al viejo de que no pueden casarse, incluído el de que es un hombre disfrazado, y cuya respuesta es un contundente: -Nadie es perfecto.
Palabras claves: Billy Wilder, Tony Curtis, Jack Lemmon, Marilyn Monroe.

23- The Grapes of Wrath
Las Uvas de la ira
1940
Director: John Ford
Duración: 125 min
Estados Unidos
Reparto: Henry Fonda, Jane Darwell, John Carradine, Charley Grapewin.

Sinopsis: Actuando en legitima defensa, Tom Joad purga una pena por homocidio. Al volver a la granja paterna de Oklahoma, su familia se ve ad portas de la ruina por un deshaucio. Emprenden un largo éxodo con destino a California. Las privaciones y el desprecio son la moneda común durante su penoso camino. Casy, un sacerdote que alza su voz de protesta en su favor, durante su estancia en un campamento temporal, es asesinado. Por su parte Tom, cobra venganza en nombre del religioso, ahora como prófugo, huye de las autoridades yendo a dar a otro nuevo refugio estatal, donde jura luchar por la dignidad de quienes sacrifican su vida trabajando. Por su parte, la abnegada madre promete mantener unida a la familia por sobre todas las circunstancias del destino.
Comentario: inspirada en las penurias sin cuento de las familias norteaméricanas del tiempo de la depresión, John Steinbeck logró escribir una novela de un crudo realismo que, casi sin alteraciones importantes, fuera llevada al cine en los cuarentas. Siendo un verdadero éxito de ventas, la productora Twenthiet Century Fox, compró al escritor los derechos, comprometiéndose a mantener el espíritu de critica social de la novela.
Considerada como una suerte de épica del desarraigo, la cinta evoca según palabras del director, las hambrunas del pueblo irlandés desterrado y condenado a la muerte por inanición. Por tal razón la novela misma fue prohibida e incluso incinerada por exaltar valores socialistas.
Ford siempre se vería atraído por el tema del desarraigo. Varias obras del director tocan el tópico concerniente a la busqueda incesante de un territorio pacífico para un grupo humano, adquiriendo así su estatus natural de "buen salvaje".
Siendo nominada a mejor actuación, a cargo de Henry Fonda, el filme se llevó finalmente dos estatuillas: mejor director y mejor actriz.
Palabras claves: John Ford, Henry Fonda, John Steinbeck, Gran depresión.

24- E.T, The Extra-terrestrial
E.T. El extraterrestre
1982
Director: Steven Spielberg
Duración: 115 min
Estados Unidos
Ciencia Ficción
Reparto: Dee Wallace, Henry Thomas, Peter Coyote, Drew Barrymoore.
Sinopsis: un extraterrestre pierde su rumbo y resulta en el jardín de una casa. Elliot junto a sus hermanos Michael y Gertie, ocultan al extraño ser y le dan cobijo. Todos tratan de ayudar a E.T. para que pueda retornar otra vez a su casa. Pasado un tiempo en que el extraterrestre decae, Elliot, paulatinamente se irá enfermando. Al fin hallarán al extraterrestre y Elliot recobrará la salud milagrosamente por obra de E.T., que muere. No obstante al contactarse con su hogar, resucitará, siendo llevado de nuevo por una nave en lo profundo del bosque.

Comentario: más allá de las posibles interpretaciones sobre la película, el simbolismo reflejado en la amistad entre el niño y un extraño ser extraterrestre, fue un éxito como nunca antes visto en las taquillas. Una famosa revista dijo sobre el filme que era: "la mejor película de Disney, que Disney nunca llegó a realizar". En un tiempo de crisis de valores, sin religión, ni credo moral, la historia de una amistad profunda y verdadera que un niño -con una ausencia de figura paterna, leitmotiv a través de toda la película- encuentra providencialmente, es una fábula moral contemporánea. Igualmente la figura de la muerte a la que se ve enfrentado Elliot, y la posterior resurrección son un genial giro dramático en la narración. La representación que Spielberg logra superponer al espectador, donde el espacio exterior simboliza la redención por encima de las contingencias humanas (la curación de Elliot por parte de E.T., la superación de la muerte y su ascenso) parecen sugerir una suerte de Mesias peculiar, encarnado en el personaje de E.T. La Academia americana no se dejó persuadir por la retórica fantástica de Spielberg y de nueve nominaciones, le otorgó tres estatuillas con premios sin importancia.
Palabras clave: Spielberg, E.T, ciencia ficción, 1982.

25- To Kill a Mockingbird
Matar a un ruiseñor
1962
Director: Robert Mulligan
Duración: 129 min
Estados Unidos
Drama
Reparto: Gregory Peck, Mary Badham, Philip Alford, John Megna.

Sinopsis: en un pequeño pueblo de Alabama, vive Atticus Finch, un abogado encargado de defender a un negro acusado de violar a una joven blanca. Sus amigos cercanos intentan persuadirle de que abandone el caso, con el fin de evitar represalias en contra de su familia.
La narración en primera persona, de una mujer que retrotrae su memoria tres años antes, recobrando una edad dorada y llena de profundos cambios personales con el telón de fondo de la segregación racial en lo hondo de la sociedad norteaméricana.
Comentario: A pesar de que Harper Lee, escritora y amiga íntima de Truman Capote, escribió "Matar a un ruiseñor"  consiguiendo el prestigioso premio Pulitzer en 1960, la Paramount Pictures pensaba que la novela carecía de acción para llevarla al cine. Pensando en el protagonista ideal, los productores pensaron en Rock Hudson y James Stewart para el rol de un abogado con ideas demasiado "liberales" para ser capaz de defender a un negro. Finalmente Gregory Peck recibió la novela junto al guión, quedando fascinado por la historia y aceptando el papel de imediato. Gregory Peck se adentraría en el personaje de tal forma que su interpretación que será un hito en su inmensa carrera.
Siendo necesario para dar sensación de realismo, las escenas del juicio, fueron llevadas a cabo en una réplica exacta de un estrado judicial. Atticus, el íntegro abogado, fue inspirado en parte por la figura del padre de la autora Harper Lee. Amasa Lee, su padre, defendió en 1923 ante los estrados a un presidiario negro. Para dar solidez a la construcción se entrevistó con el padre de Lee, que no alcanzaría a ver el estreno, pues murió poco antes.
Palabras clave: Harper Lee, Gregory Peck, Racismo, Robert Mulligan.

26- Mr Smith goes to Washington
El señor Smith va a Washington
1939
Dirección: Frank Capra
Duración: 129 min
Estados Unidos
Reparto: Jean Arthur, James Stewart, Claude Rains, Edward Arnold, Guy Kibbee, Charles Lane.
Sinopsis: un político con principios, Jefferson Smith, se ve de pronto enfrentándose a las corruptelas del resto de políticos sin escrúpulos y decide tomar cartas en el asunto. El senador Sam Foley que muere en 1939, es reemplazado por un nuevo político, que según los burócratas y empresarios de turno, no causará problemas. Cargado de una entereza moral y, si se lo quiere así llamar, una inocencia elemental, el personaje interpretado por james Stewart, resalta sobre todos los demás. Mrs Saunders, su joven secretaria, terminará prendada de las cualidades del senador, tras verlo al principio con distancia, e incluso con antipatía. El inicial idealismo del joven político se irá tornando en indignación, al enterarse que su principal protector Joseph Harrison, está vendido al poderoso Jim Taylor, un empresario quien pretende levantar una monumental represa en el condado natal de Smith. Esta suerte de Quijote se ve enfrentado a los molinos de viento que ayudan a impulsar los medios y sobre todo, el electorado. Lleva hasta el Congreso los argumentos necesarios para cambiar el orden de las cosas que parece tan natural, siendo apoyado por un puñado de muchachos que son igualmente éticos e idealistas al protagonista.
Comentario: el lente agudo de Frank Capra, se transforma aquí en un estilete agudísimo que es hoy, casi  ochenta  años después del estreno de la película, tan actual como en 1939. El tema de la corrupción de los funcionarios públicos, jamás pasa de moda. El tema sobre el que gravita el filme podría resumirse diciendo una sola cosa: la ética.
La historia del hombre que se enfrenta ante el sistema establecido, si tenemos en cuenta el trasfondo político de aquellos tiempos, con regímenes totalitarios cruzando América y Europa, parece haber perdido interés. Cada uno de los caracteres del filme representan a un parte del “electorado” o su contraparte de gobernantes y legisladores. Smith, representado con maestría por james Stewart, simboliza lo que ya se ha dicho, los valores constitucionales del derecho de todo ciudadano a velar por la trasparencia y honestidad de quienes detentan el poder; la secretaria, representa si se quiere, la naturaleza femenina que ve en Smith el arquetipo del hombre ideal; por su parte Harrison y  Taylor, simbolizarían el político que no puede sustraerse a complacer a su patrón, y éste último, a los que compran conciencias sin importarles las profundas consecuencias morales que tal acción implica.

Palabras clave: Frank Capra, Democracia, James Stewart, Corrupción.

27- High Noon
Solo ante el peligro
1952
Director: Fred Zinermann
Duración: 84 min
Estados Unidos
Reparto: Gary Cooper, Thomas Mitchell, Lloyd Bridges, Kathy Jurado, Grace Kelly.

Sinopsis: justo cuando el sheriff Will Kane y Amy su novia van a casarse, se entera de que Frank Miller, un forajido con quien tiene una cuenta pendiente, viene a cobrar venganza. Kane decide esperar a Miller, pese a la negativa de todos, incluso su novia, de abandonarlo. Tomando valor, se alista a recibir a los cuatro maleantes, a los que da combate, logrando acabar con tres de ellos. Al final Amy, convencida por la antigua novia de Kane, Helen, acaba con el último de los bandidos. Cuando entiende que todos le han dado la espalda, Kane desprecia su rango, dejando el pueblo con su novia.
Comentario: el guión de la película está inspirado en un breve relato publicado por la revista Colliers's, "The Thin Star", en la que los productores trabajaron por varios años. La idea de los productores era aplicar la estructura narrativa del tiempo simultáneo al género del western.
La historia de un hombre que debe enfrentar su destino solo ante las circunstancias, se convierte para el director en un leitmotiv para el resto de su obra. El tema del valor del que el género ha abusado, en este filme tiene un valor sustancial para representar sobre todo, las cualidades morales de un hombre en un momento crucial de la vida. De hecho, el productor del filme, quien durante la época de la preparación del rodaje fuera llamado por el Comité de Actividades Antiaméricanas, llegó a ver reflejada su vida en la historia del comisario Kane. Gary Cooper el actor que lo encarna, recibiría un Oscar por mejor actuación.
Palabras clave: Gary Cooper, Fred Zinermann, Will Kane.

28-All About Eve
Eva al desnudo
1950
Director: Joseph L.Mankievicz
Duración: 138 min
Estados Unidos
Reparto: Bette Davis, Marilyn Monroe, Anne Baxter, George Sanders, Celeste Holm.
Sinopsis: Eva Harrington, es una muchacha aparentemente inocente, pero en el fondo es una trepadora con la ambición de tomar el papel de Margo, la actriz principal que le ha dado confianza y apoyo. El hilo de maquiavelicas intrigas tejido por Eva, termina  por enredar a su mejor amiga Karen, que está casada con un prominente director. Eva termina siendo una propia víctima de sus ambiciones al ser, a su vez, el objetivo de una joven aspirante que pretender robarle su puesto de estrella.
Comentario: el mundo deslumbrante de Hollywood, lleno de intrigas, odios, envidias y traiciones, no tenía noticia de haber sido retratado de forma tan magistral y cargada de sarcasmo e ironía, como en esta película. Elizabeth Bergner, una prominente actriz vivió en carne propia el argumento de la película, en que se inspirara el director. Los padecimientos que por culpa de la desmesuradas ambiciones ajenas, sufriera la actriz, representan la despiadada ley, en la que aun hoy, se deben mover los actores y directores de la industria de Hollywood.
Con una Bette Davis, en un excelente rol, la película fue nominada a catorce premios obteniendo el de mejor película; también Mankievicz, se llevó sendas estatuillas por mejor guionista y director.
Palabras clave: Joseph L. Mankievicz, Marilyn Monroe, Bette Davis.

29-Double Indemnity
Perdición
1944
Director: Billy Wilder
Duración: 106 min
Estados Unidos
Reparto: Fred McMurray, Barbara Stanwyc, Edward G. Robinson, Porter Hall.
Sinopsis: cuando Walter Neff, un agente de seguros, entra herido en su oficina y empieza a redactar una confesión, se desata una serie de situaciones derivadas que implicarán a Phyllis Dietrichson, una intrigante y seductora mujer quien en complicidad con Neff, firma una poliza de aseguramiento doble por muerte derivada de accidente, a nombre de su esposo.
Cuando el detective de la compañía aseguradora, Keyes, inicia la investigación del fraude, Neff resuelve liquidar a la arpía, disparándole, pero antes la mujer logra herirlo. El detective alcanza a escuchar de boca de su compañero la parte crucial de su relato, antes de morir a causa de las mortales heridas.
Comentario: Wilder, inspirándose en un relato de Raymond Chandler escrito en colaboración con James M. Cain, logra acabar una obra que hace honor al género negro, del que Chandler era consumado maestro. De hecho Wilder y Chandler trabajaron juntos pese a la evidente tensión entre ambos. La sisigia entre ambos creadores, produjo una película donde abundan situaciones y personajes que multiplican la riqueza del género.
El caracter de la mujer que manipula sexualmente a los hombres, intrigante y hermosa, le otorga el equilibrio ideal para la sólida estructura narrativa de la historia. Para Fred McMurray -el vendedor de seguros-, actor que reflejaba una imágen opuesta a la del bonachón americano, fue necesario cambiar su estilo dramático por un tipo maquiavélico y sin rastro de moralismo.
El final original, donde el vendedor de seguros es condenado y ejecutado en la cámara de gas, fue suprimido por considerarlo Wilder demasiado chocante para el público. De siete nominaciones, dos, para mejor director y mejor actriz, se cristalizaron. Mezcla perfecta entre literatura y cine, esta es una de las mejores muestras del género denominado como negro.
Palabras clave: Billy Wilder, Raimond Chandler, género negro.
    
30-Apocalipse Now
Apocalipse Now
1979
Director: Francis Ford Coppola
Duración: 153 min
Estados Unidos
Reparto: Maron Brando, Robert Duvall, Martin Sheen, Denis Hopper, Harrison Ford.
Sinopsis: Kurtz, comandante en rebelión del ejército norteaméricano, ha impuesto un régimen propio al interior de la jungla vietnamita. El capitan Wilard, es notificado de que debe ejecutar a Kurtz. Al mando de una cuadrilla de helicópteros, el coronel Kilgore, ansioso por combatir, la tropa se adentra en lo hondo de la selva, trastocándose poco a poco la realidad establecida, a medida que entren en los dominios de Kurtz. En el momento de verse cara a cara con Kurtz, este le expone las líneas maestras de su absurdo concepto filosófico, según el cual la fuerza y voluntad del hombre vencedor, debe llevarlo a asesinar despiadadamente al más débil. Precisamente cuando la disertación parece alcanzar su punto culminante, Wilard toma su machete y en una suerte de holocausto simbólico mata al desquiciado Kurtz, quien entre estertores de agonía acierta solamente a gritar: "¡El Horror... el horror!". Wilard, aterrado y obsesionado por la culpa, emprende su camino de retorno.
Comentario: Con la herida abierta aun de la guerra del Vietnam, Coppola emprende la realización de un filme meditado por largo tiempo, una fábula moral sobre la intervención americana en el conflicto de Vietnam.
La dilatada metáfora moral, tiene inspiración en el relato de Joseph Conrad, El Corazón de las Tinieblas. Estructurada como un perfil sicológico del conflicto, el filme pretende ahondar en lo más hondo de las aristas de la condición humana representada en la maldad y sus límites.
La mayor parte de las escenas fueron filmadas en Filipinas. El extenuante proceso de grabación se vería interrumpido por monzones y turbulentas tormentas propias del clima local. Como un sino trágico, Martin Sheen quien sustituyera a Harvey Keitel, sufrió un infarto. Así mismo, el rodaje que se esperaba no durara más de dieciocho semanas , se extendió por más de seis meses.
Palabras clave: Francis Ford Coppola, Martin Sheen, Joseph Conrad, Marlon Brando, Vietnam.

31-The Maltese Falcon
El Halcón Maltés
1941
Director:John Houston
Duración:100 min
Estados Unidos
Reparto: Humphrey Bogart, Mary Astor, Gladys George, Peter Lorre.
Sinopsis: Un habil detective llamado Sam Spade, tras el crimen de Miles Archer, su socio, y de Floyd Thursby a quien perseguía, resguarda la identidad de Brigid O'Shaugnessy, su cliente. Este último guarda un interés obsesivo por una pequeña escultura de un halcón negro. Al llegar gravemente herido el capitán Jacobi, le entregará la codiciada estatuilla para que la resguarde. Sam Spade llama a todos los interesados en la estatuilla para tasar un precio por ella; propone la condición que Wilmer, matón a sueldo del sicario Casper Gutman, sea el chivo expiatorio. Resultará al final, cuando se hallan dado a la fuga los ladrones con la estatuilla, que esta era una copia. Spade procederá entonces a someter a la justicia a O' Shaugnessy, implicándola en el crimen de Archer.
Comentario: Dashiell Hammet escribió en 1929 su novela The Maltese Falcon, sin llegar a pensar que fascinaría a los directores más célebres del momento. John Houston debutaría fulgurantemente en las grandes ligas de Hollywood con esta opera prima. Siendo por muchos años guionista, Houston se puso por vez primera tras una cámara, con resultados destacables.
El secreto, según el mismo director, aparte de la solidez del hilo argumental de la obra de Hammet, era encontrar los actores ideales. El buen ojo de Houston dio con Humprey Bogart para el papel de Sam Spade, un arquetipo de sofisticación detectivesca con los consabidos clichés de las cejas arqueadas y las solapas alzadas de su gabardina. Toda esa atmósfera oscura, de intriga, escenarios urbanos sórdidos y diálogos a caballo entre la lengua policial y la mayéutica, hicieron del filme un clásico del ascendrado manierismo que alcanzara este género en el cine de la mano de un realizador que daría todavía otro puñado de obras maestras.
Palabras clave: John Houston, Humprey Bogart, Dashiell Hammet.
 
32-The Goodfather II
El Padrino II
1974
Director: Francis Ford Coppola
Duración: 200 min
Reparto: Al Pacino, Robert De Niro, Robert Duvall, Diane Keaton.
Sinopsis: Luego de que Michael Corleone, hubo llegado al lugar ocupado por su difunto padre Vito, y su vertiginoso ascenso dentro de la estructura mafiosa va in crescendo, la historia retorna a la niñez del fundador de la saga, Vito Corleone, en una Sicilia llena de violentas acciones, a comienzos de siglo. Michael ahora se enfrentará a enemigos ocultos y otros conocidos. La ley de la mafia es la sangre y la muerte su redención. El nuevo heredero del clan Corleone, se diferenciará del viejo Vito, en que en lugar de ordenar las atrocidades con las que se castigaba la traición, Michael si tomará parte con fruición en los actos de sangre. La historia va haciendo constantes analepsis desde la Italia de comienzos de siglo, hasta las paradisiacas playas de La Habana y el esplendor de los salones de juegos de Las Vegas, donde la dinastía Corleone en cabeza de su nuevo zar, pretende conquistar nuevos feudos para nutrir su empresa criminal.
Comentario: La saga de Francis Ford Coppola con la segunda parte de una historia de brutalidad y violencia de una familia de la cosa nostra italiana, alcanza su punto más alto. Con el apoyo constante del inagotable texto de Mario Puzo, Coppola despliega su arsenal artístico para superponer personajes, tiempos, planos y toda suerte de pirotecnias estilísticas y narrativas. La prolijidad de la técnica en algunas escenas memorables: el crimen de Mano Negra en Little Italy, al compás de una piadosa procesión religiosa; el triunfo de los guerrilleros entrando victoriosos a La Habana, entre otras, dan cuenta del depurado estilo que venía adquiriendo el director.
El tour de force entre las actuaciones de Al Pacino y Robert de Niro, quien representa a Vito Corleone en su juventud, le mereció una estatuilla por su genialidad histriónica. Fue nominada nueve categorías ganando seis, incluida mejor director y mejor película, convirtiéndola en un hito del cine contemporáneo.
Palabras clave: Francis Ford Coppola, Robert De Niro, Al Pacino, Mario Puzo.

33-One flew over the Cockoo's nest
Alguien voló sobre el nido del Cuco
1975
Director: Milos Forman
Duración:133 min
Estados Unidos
Reparto: Jack Nicholson, Louise Fletcher, Midred Ratcher, William Redfield.
Sinopsis: haciéndose pasar por un loco, Randle P. McMurphy, es internado en un siquiátrico para lograr evadir la pena de trabajos forzados. La actitud tiránica de la enfermera Radchet provoca que Randle se convierta en un paciente agitador intentando levantar a los asilados para que pidan mayores libertades. Saca de juega a los pacientes y organiza fiestas dentro del pabellón. Luego encuentra a otro interno con una chica en la cama y le amenaza con delatarlo con su madre. Acto seguido, aquel se suicida, entonces Randle trata de asfixiar a la muchacha, por lo cual es llevado y sometido a una lobotomía. Un compañero termina por ahogar a Randle y huir.
Comentario: el tema de la novela de Ken Kessey, es un alegato en contra del autoritarismo. La atmósfera que la juventud norteaméricana respiraba en el momento de la aparición de la novela de Kessey, se condensa en la figura del personaje de Randle (Jack Nicholson), el eterno rebelde sin causa que la mayor parte de las sociedades siempre han tildado de "loco". La alegoría de la enfermera-carcelera que vigila a los locos, la entendió en todo su sentido el director Milos Forman en su adaptación cinematográfica. El argumento y la blancura insoportable de la escenografía, por momentos recuerda ese libro magistral de Michel Foucault "La locura en la época clásica". A lo largo de las escenas, la sensación delirante que se evidencia durante el presidio del personaje de Randle, supo aprovecharlo Nicholson con sus dotes de histrión y su gestualidad diabólica, haciendo de esta adaptación fílmica de la novela, una de las más recordadas. 

34-Snow White and the Seven dwarfs
Blancanieves y los siete enanitos
1937
Director: Walt Disney
Duración: 83 min
Estados Unidos
Reparto: Adriana Casselotti, Harry Stockwell, Lucile La Verne, Billy Gilbert.
Sinopsis: Blancanieves es una niña que una perversa reina ha criado; sueña con que su príncipe vendra a por ella algún día. En una ocasión, al interrogar al espejo sobre cual es la más bella mujer del reino, este dice que es Blancanieves y la reina ordena su muerte. Encarga para tal fin a un cazador, quien le perdona la vida y le dice que se oculte en un rancho en la hondura del bosque. Allí habitan siete enanos que cuidarán de la joven. Enterada de la treta, la reina disfrazada de anciana bruja, persuade a Blancanieves de comer la manzana emponzoñada. La doncella muere y los enanos cobra venganza haciendo que la bruja caiga por un precipicio. Cuando el príncipe le da el beso ella revive y todo termina en un final feliz.

Comentario: Walt Disney, personaje célebre ya por su innovación en el campo de la animación, pretendía explorar las posibilidades narrativas del nuevo género cinematográfico. Ansioso por llevar al límite sus capacidades de su genio creativo, el equipo de dibujantes y productores utilizó la revolucionaria cámara multiplanos, que daba mayor aspecto a las proporciones de las imágenes, herramienta de gran utilidad en lo concerniente a detalles como polvo, viento o lluvia. De igual modo se otorgó mayor fuerza a las caracterizaciones de los personajes, con gestos y particularidades que los diferenciaran radicalmente de otros. Tales avances técnicos le dieron el Oscar para cuya entrega a Walt Disney, se diseñaron especialmente las figuras de los personajes de la película. La película, además de ser una de las más costosas de su tiempo, también fue quizá la que mayor celebridad dio a su genial creador.

Palabras claves: Walt Disney, Blancanieves, Cámara multiplano.

35- Annie Hall
Annie Hall
1977
Director: Woody Allen
Duración: 93 min
Estados Unidos
Reparto: Woody Allen, Diane Keaton, Tony Roberts, Carol Kane, Paul Simon.
Sinopsis: Annie Hall, una cantante, y Alvy Singer, un comediante, tras un breve romance deciden irse a vivir juntos. El interés de Tom Lacey, un magnate de la industria musical, por Annie, hace que entre la pareja haya una separación. Alvy decide rehacer su vida sentimental con una reportera, Pam, pero no puede dejar a Annie y retorna con ella. La pareja decide partir a Los Ángeles donde se reunen en una velada organizada por Lacey. De vuelta a Nueva York, nuevamente se separan. Annie retornará de nuevo con Lacey, y Alvy intentará que ella vuelva escribiendo una obra teatral como signo de reconciliación. Pero solamente perdurará entre Alvy y Annie un afecto entrañable.
Comentario: luego de distintos ejercicios de estilo, Woody Allen parece al fin encontrar con Annie Hall su verdadera voz. La reflexión de un joven cineasta con una herencia judía, se reflejó de forma auténtica en esta película. La figura del artista ambicioso, parece casar dentro de la estructura narrativa del filme, haciendo algo más que un intento de autobiografiarse por medio de la ficción cinematográfica.
Esta historia de amor tiene mucho de radiografía sentimental, casi tan romántica como una novela. La coprotagonista Diane Keaton, quien fuera pareja de Allen, recrea junto al director los distintos estadios de la relación pero sin dejar que sea solamente un ejercicio honesto de un pasado, una catársis amorosa que se concretará en la forma de una fábula artística. Definida por el propio Woody Allen como una sociología de las relaciones entre los sexos, durante la América de los setentas, se desarrolla así mismo durante el relato una sarcástica crítica de la condición humana, que la Academia premió con cuatro galardones: mejor director, mejor guió y mejor película, entre ellos.
Palabras clave: Woody Allen, Diane Keaton, Annie Hall, autobiografía.

36-The Bridge on the River Kwai
El puente sobre el río Kwai
1957
Director: David Lean
Duración:
Reino Unido
Reparto:
Sinopsis: el coronel Nicholson es un oficial al mando de una tropa británica que tomada como  prisionera de guerra en Tailandia; Saito es el oficial japonés al mando de ellos. De acuerdo a la Convención de Ginebra, los hombres hechos prisioneros, no deben ser usados para trabajos forzados. Saito pretende construir un puente sobre el río Kwai y piensa usar los soldados para tal fin. Ante la oposición del coronel Nicholson, Saito decide exponer en una jaula al sol al oficial, en señal de castigo. El estoicismo del coronel británico, que no cederá al castigo físico, le gana el respeto de los subordinados e incluso de los japoneses. Tal fortaleza de espíritu hace que Saito desista del proyecto. De todas formas Nicholson toma la decisión de construir el puente con sus tropas para demostrar la superioridad del ejército inglés sobre el enemigo japonés.
Comentario: luego del filme de corte épico Lawrence de Arabia, David Lean decidió emprender el rodaje de El puente Sobre el Río Kwai. Apasionado por las historias de corte heroico y de grandeza, su film de tema bélico, se centra en la rivalidad simbólica entre enemigos: un ejército británico es capturado por los japoneses en Myanmar y en ese momento comienza la batalla entre los dos oficiales. Pese a que esta es una película de guerra, el enfrentamiento tiene lugar en el espacio sicológico de su estupendo thriller Lean, un esteta consumado en el registro cinematográfico, decidió filmar las escenas más impactantes, como por ejemplo la explosión de un tren sobre las vías, utilizando un tren real sin recurrir a maquetas o trucos por ese estilo. Un filme como este tiene características de novela sicológica, pues el espectador está desde el inicio abocado al desenlace del combate sicológico constante entre los dos protagonistas. Alegoría al triunfo de la fuerza moral de una nación en guerra, es basada en una historia real del conflicto. Ganó 7 premios Oscar: Mejor director, Mejor película, Mejor actor, Guion adaptado, Fotografía, Banda sonora y Mejor montaje.
Palabras clave: David Lean, Puente sobre el Rio Kwai, Alec Guinnes, Lawrence de Arabia.

37-The best year of our lives
El mejor año de nuestras vidas
1946
Director: William Wyler
Duración: 182 min
Estados Unidos
Reparto: Myrna Loy, Fredric March, Dana Andrews, Teresa Wrigth.
Sinopsis: tres soldados: Fred Derry, Homer Parrish y Al Stephenson, retornan a la vida luego de la guerra. Todos se han de enfrentar a cambios radicales derivados de sus largas ausencias: el alcoholismo comienza a acosar a Al; por su parte Fred entiende que su bella esposa, no es la misma que conoció; en tanto que Homer, con sus dos brazos amputados, se sentirá aliviado cuando Wilma, su esposa, le manifieste que su amor por él nunca ha disminuído. Cuando Homer se case con su novia Wilma, Al se encontrará adaptado de nuevo a su vida y Fred, ahora separado tiene el camino libre con Peggy.
Comentario: William Wyler, fue uno de los realizadores más prolíficos y versátiles de la industria hollywoodense. Su largo catálogo filmográfico, su perfeccionismo a la hora de rodar las escenas, lo destacan, si no en el olimpo en el que pueden nombrarse a directores como Hitchcock, Bergman, Welles, Ford, etc, se lo tiene como un relizador disciplinado y metódico.
El eje argmental de "Los mejores años de nuestra vida", gira alrededor del retorno a la vida civil de un grupo de soldados tras la Segunda Guerra Mundial. La radiografía de  los jovenes miembros de la clase media norteamericana, desorientados en una sociedad industrializada es una crónica intemporal hecha con mano maestra.
Sobre una crónica periodística aparecida en la revistaTime, el productor Samuel Goldwyn, encargó un guión que resultaría luego en una novela versificada de McKinlay Kantor, que Robert Sherwood junto a mismo Wyller, readaptarían por vez definitiva. Siendo nominada porla Academia a ocho premios, obtendría seis, entre ellos mejor director y mejor actor "no profesional" entregado a Harold Russel. La película fue saludada como una metáfora de valor inspirada en los veteranos de la Segunda Guerra.
Palabras clave: William Wyler, Segunda Guerra Mundial, veteranos de guerra.  

38- The Treasure of Sierra Madre
El tesoro de Sierra Madre
1948
Director: John Houston
Duración: 126 min
Estados Unidos
Reparto: Humphrey Bogart, Walter Huston, Robert Blake, Tim Holt, Bruce Bennett.
Sinopsis: Durante la Fiebre del Oro, dos pobres diablos (Fred Dobbs y Bob Curtin) junto a un buscador de oro (Howard) emprenden su travesía hacia lo profundo de las montañas de México. Cuando su travesía da sus frutos y hallan el precioso metal, Dobbs, presa de la ambición, intentará deshacerse de sus compañeros para quedarse con todo el botín. Un grupo de forajidos los atacan, pero al final los tres logran salvarse. Durante el viaje, Howard se separa del grupo, entonces Dobbs, aprovechando la oportunidad dispara a Curtin, dándolo por muerto. A su vez Dobbs es asaltado y antes de robar sus burros y los sacos con el oro, que los ladrones creerán que son de arena, le dan muerte al ambicioso Dobbs. Al final, sin el oro, Curtin retorna a Estados Unidos y Howard se establece en una aldea fungiendo como doctor
Comentario: inspirada en la novela de Bruno Traven, la película de John Houston “El Tesoro de Sierra Madre”, es quizá una de las mejores del género de aventuras de todos los tiempos y una verdadera obra maestra del director norteamericano. La solidez argumental del guión, oficio en el que Houston fuera un consumado maestro, la riqueza en el registro con diferentes planos que ponen de relieve el carácter de cada uno de los personajes, son fundamentales en el acabado final de la película. Las interpretaciones de gran calidad por parte de Humprey Bogart, quien en su hoja de vida tenía ya filmes de talla mayor, como Casablanca y El Halcón Maltés, otorga al personaje del pobre diablo ambicioso, un color deliberadamente oscuro y trágico; Walter Houston, padre del director, en su papel de Howard, se muestra equilibrado en su interpretación de un veterano buscador de oro que en su vasta experiencia ya está bien habituado a los gestos de ambición al hallar el codiciado metal. En definitiva, la aventura de los tres personajes se constituye en una metáfora de la condición humana sobre la ambición y sus límites.
El filme resultó ganador de tres premios de la academia: mejor director, mejor actor de reparto y mejor guión adaptado.   

39- Dr. Strangelove
Dr. Stangelove
1964
Director: Stanley Kubrick
Duración: 93 min
Estados Unidos
Reparto: Peter Sellers, George C. Scott, Sterling Hayden, Keenan Wynn, Slim Pickens, Peter Bull, James Earl Jones.
Sinopsis: durante la guerra fría, el general Jack D. Ripper prepara un ataque nuclear contra la Unión Soviética, en prevención por una posible contaminación de las aguas norteamericana. El general, sin embargo, desconoce que los rusos tienen un poderoso arsenal nuclear, que en el momento en que se vean atacados, se desencadenará un contraataque contra los Estados Unidos. Un oficial de la RAF, coronel Lionel Mandrake, ante la locura de Ripper, intentará detener el ataque a toda costa. Cuando Ripper se ve sitiado decide acabar con su vida. Los oficiales norteamericanos reunidos en la base, contemplan esta como una oportunidad dorada para acabar de una vez por todas, con la odiada Unión Soviética comunista.
Comentario: Stanley Kubrick uno de los directores emblemáticos del siglo XX, hizo una metáfora de  la guerra fría en este filme arriesgado, sarcástico y posmodernista. En 1962 Estados Unidos se vio casi al borde de un conflicto nuclear a raíz de la crisis de los misiles cubanos. Además el fantasma de guerra de Vietnam pendía sobra las cabezas de los ciudadanos americanos como espada de Damocles. Lo realmente innovador de su genial parodia –en un momento en el que casa americano tenía en sus patio trasero un refugio nulear-, es la visión de la fragilidad del aparato de defensa del Departamento de Estado, en aras de acabar con el detestado sistema comunista soviético a costa de lo que sea preciso hacer. Las estupendas actuaciones, sobresaliendo la de Peter Sellers en tres roles diferentes: Dr.Stragelove, el presidente Muffley y el capitán Mandrake, hacen de esta una exquisita parodia en tono político que le valdrían a Kubrick la nominación a cuatro premios de la Academia: mejor película, mejor director, mejor guión y mejor actor.  

Palabras clave: Stanley Kubrick, Peter Sellers, Guerra Fría, Guerra Nuclear.

40- The Sound of Music
La Novicia Rebelde
1965
Director: Robert Wise
Duración: 170 min
Estados Unidos
Reparto: Julie Andrews, Christopher Plummer, Eleanor Parker, Peggy Wood, Richard Haydn.
Sinopsis: durante la anexión de Austria por parte del Tercer Reich, la novicia María (Julie Andrews) es puesta al servicio de un oficial nazi, capitán Georg Ritter Von Trapp (Christopher Plummer), para ser la institutriz de sus hijos. El estilo prusiano y autoritario del capitán Ritter, contrasta con la actitud jovial y tierna de la  joven tutora que pronto se ganará el aprecio de los niños, e incluso del propio oficial, poniendo en riesgo la relación con la prometida del capitán. Luego de un tiempo, el capitán decide casarse con María, mientras las tropas alemanas invaden Viena. Tras la persuasión de los altos mandos alemanes de que el capitán se reintegre a las tropas, el capitán aprovecha un certamen de canto para poder huir con María hacia Suiza no sin cantar una tonada patriótica en símbolo de rebelión contra la invasión alemana.
Comentario: La Novicia Rebelde, es una de los musicales más conocidos de la historia. Robert Wise, quien tenía a su haber la exitosa obra West Side Story, con la maravillosa música de Leonard Bernstein es genial director de orquesta norteamericano que en un tándem junto al realizador, fueron merecedores de un premio de la academia, volvía de nuevo a la carga con otra obra musicalizada esta vez por Richard Rodgers y Oscar Hammerstein. Pese a los esfuerzos de la producción por lograr escenas memorables en las campiñas suizas, el profesionalismo actoral y las pegajosas melodías que recorren la película, se le ha endilgado su a veces exceso de sentimentalismo gratuito. De todas formas la conjunción de situaciones particulares para la trama del filme: la invasión nazi a Austria, la relación entre los protagonistas, una novicia y un oficial, y la música asociada al paisaje idílico de los Alpes austriacos hicieron que se ganara un lugar en el corazón de los espectadores de todas las edades. La cinta ganaría cinco de siete premios a los que fue nominada, incluidos mejor director y película.   
Palabras clave: Julie Andrews, Rodgers y Hammerstein, Musical, Robert Wise, Christopher Plummer.


No hay comentarios:

Publicar un comentario