LAS 100 MEJORES PELÍCULAS DE LA HISTORIA DEL CINE ESTADOUNIDENSE
1 - Citizen Kane
El Ciudadano Kane
Año: 1941
Director: Orson Welles
Duración: 119 min
Genero: drama
País: Estados
Unidos
Reparto: Orson Welles, Everett Sloane, George
Coulouris, Joseph Cotten, Dorothy Comingore, Ray Collins, Agnes Moorehead, Paul
Stewart.
Sinopsis: Charles
Foster Kane el magnate de la industria del periodismo, dueño de una cadena de
periódicos, una vasta colección de obras de arte y una emisora, agoniza en su
esplendido castillo de estilo oriental llamado Xanadú. Antes de morir su ultima
palabra será “Rosebud”, que deja el enigma en suspenso. Y a la tarea de
hallarlo, se apresta un grupo de periodistas.
Comentario: es la primera película de Orson
Welles y que le significó un gran éxito en su carrera como director. De hecho
en los premios Oscar de 1941 obtuvo 8 candidaturas y el premio por mejor guión.
Tras su incursión en el radioteatro con una adaptación de la Guerra de los
Mundos de H. G. Wells, Orson Welles impresionó a los productores de Hollywood. La
RKO Pictures contrató con Welles el rodaje del filme. Pasaron meses sin dar
punto final al proyecto, pues Welles tenía en mente dar un giro a la estructura
narrativa del filme. El filme tiene como inspiración la vida de William
Randolph Hearts, magnate de los medios y la industria norteamericana. La
técnica narrativa usada por Welles es revolucionaria en el cine de aquel
entonces. Para narrar la historia de Charles Foster Kane, Welles usa constantes
flashbacks para darle una atmosfera
de ambigüedad e imprecisión a los relatos que los distintos personajes que van
contando. Varios narradores van llevando al espectador por la vida del
personaje, recomponiendo la historia y la memoria. Esta técnica nunca se había
usado en ninguna película hasta entonces, lo que revolucionó la industria,
inspirando a otros realizadores a emular a Welles en su genialidad como
director. También las escenas y los encuadres focales de la película fueron
verdaderamente revolucionarios. El maquillaje es de gran factura, las escenas
donde Kane es un anciano fueron meticulosamente elaboradas por medio de una
máscara de molde maquillada con color piel. Por todo esto se la considera una
obra maestra del cine del siglo XX.
Palabras clave: Ciudadano Kane, Orson Welles, Oscar 1941,
William Randolph Hearts.
2 - The Godfather:
El
padrino
1972
Dir. Francis Ford Coppola
175 min
Drama
Estados Unidos
Reparto: Marlon Brando,
Al Pacino, James Caan, Robert Duvall, Tom Hagen, McCluskey, Jack Woltz, Richard
Conte.
Sinopsis: Vito Corleone
es jefe de una familia de la mafia italiana de Nueva York. Cuando retorna de la
guerra, su hijo Michael Corleone, no mira con agrado los negocios turbios de su
familia que lo controlan todo el comercio e incluso la industria de Holywood,
donde el padre Vito, tiene un protegido llamado Johnny Fontane. Vito Corleone,
el Padrino, es un hombre de lealtades regido por un código moral que en el que
nunca niega favores a sus amigos. Cuando Sollozzo, un cabecilla de otra
pandilla, propone al Padrino colaborarle en ciertos negocios de
estupefacientes, intenta asesinarlo
cuando Vito Corleone rechaza la oferta, estallando así una vendetta entre los
dos bandos. Michael se va a Sicilia en un exilio temporal. Sonny, uno de los
hijos de Vito Corleone, toma el mando de la pandilla y comienza una cadena de
actos de venganza, incluido el crimen del propio Sollozzo. Al recuperarse del
atentado Corleone retoma el mando y cesa la cadena de crímenes. Entiende que es
la hora de reconciliarse con la familia enemiga. Tras un tenso periodo de calma, Corleone muere de un ataque
cardiaco. Ahora será Michael Corleone, tras su exilio siciliano quien tome las
riendas del clan Corleone comenzando por ajustar cuentas con un rival llamado
Barzini.
Comentario: Esta
película es considerada por muchos, como cinta de culto en la historia del
cine. Está basada en la novela homónima del escritor italiano Mario Puzo quien
pretendía hacer dinero con ella, pero la tenía en poco aprecio. Robert Evans,
un productor de Hollywood, conoció a Puzo y le compró los derechos de la
novela. En 1969 la Paramount Pictures decidió llevarla a la pantalla. Desde ese
momento comenzaron a trabajar juntos Puzo y Coppola adaptando el guión para el
cine. Francis Ford Coppola por aquel entonces era un director cualquiera, con
un puñado de películas a su haber pero sin un gran filme aun. Para adaptar la
estructura narrativa de la novela al lenguaje cinematográfico, se acortaron
escenas y diálogos, se suprimieron analepsis y pasajes secundarios demasiado
largos.
Palabras clave: Vito
Corleone, Francis Ford Copola, Mario Puzo.
3- Casablanca
Casablanca
1942
Director: Michael
Curtis
Duración: 102 minutos
Drama
Estados Unidos
Reparto: Humphrey
Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains, Conrad Veidt, Sydney
Greenstreet.
Sinopsis: Rick Blaine,
es un norteamericano exiliado en Marruecos que administra un café. Allí se
reunen oficiales nazis, ladrones y exiliados políticos. Un hombre llamado
Ugarte llega al bar cierta noche con unas cartas: autorizaciones oficiales nazi
para así cruzar las frontera a Portugal y embarcar hacia Estados Unidos. Antes
de que Ugarte pueda vender los salvoconductos es asesinado por un miembro de la
Francia de Vichy, colaboracionista nazi. Las cartas sin embargo quedan al
cuidado de Rick. Sin embargo el sino trágico toca a las puertas de su vida:
Ilsa su ex amante en París, llega una noche con su esposo Laszlo, un miembro de
la resistencia checa en el exilio a comprar las cartas y así lograr llegar a
Estados Unidos. Rick se niega a venderle los documentos. Al preguntarle este
cual es la razón Rick le dice que se lo pregunte a ella. En el momento álgido
de la discusión suena una canción de guerra alemana y Laszlo pide a la banda
que ejecute la Marsellesa, el himno nacional francés. Un oficial nazi ordena clausurar el club. Al terminar la
velada Ilsa confronta a Rick y le pide las cartas amenazándolo de muerte con un
arma. Al fin dice que no puede asesinarlo porque aun lo sigue amando, y
justifica su actitud, explicándole que cuando eran amantes en París, ella se
enteró que su esposo había sido liberado del un campo de concentración donde se
hallaba preso y por eso lo abandonó. Todo era una trampa para hacerle creer que
ella había huido de Francia y entonces, suponía, él haría lo mismo. Luego
Laszlo se entera de que entre los dos hubo una relación. Rick trata de
persuadir a ambos -para salvar a Ilsa- de que tomen los documentos y abandonen
Marruecos. Entonces es apresado por los franceses de Vichy, y Rick para
salvarle el pellejo, dice al francés que tiene una acusación aun más grave que
hacer sobre Laszlo afirmando que posee las cartas oficiales nazis y que el
viajará con ella hacia Estados Unidos. Luego Rick entrega las cartas a Laszlo y
cuando Renault, el policía francés intenta apresarlo, Rick lo intimida con su
arma y conduce a la pareja de esposos hasta las escaleras del avión. Al llegar
un oficial nazi para intervenir, Rick le dispara. Renault salva la vida de Rick
al llegar la policía, afirmando que él es inocente. Al final Rick dice a Luois
Renault, que entre ellos ya ha comenzado una gran amistad.
Comentario: Casablanca
obtuvo tres premios Oscar de la Academia: mejor película mejor guión y mejor
director. Su reparto excelente y su impecable fotografía y guión hacen de ella una verdadera joya. Es una
película que fue estrenada en medio de la guerra, y tal razón, es una
exaltación de los valores patrióticos y la redención por medio del amor y la
fraternidad. Su director, el húngaro Michael Curtiz, se basó en una obra de
teatro titulada “Everybody comes to Rick”.
Palabras clave:
Casablanca, Humprey Bogart, Ingrid Bergman, Michael Curtiz, 1942, Cine de
tiempos de guerra.
4- Raging Bull
Toro Salvaje
1980
Director: Martin Scorsese
Duración: 129 minutos
Drama
Estados Unidos
Reparto: Robert De
Niro, Cathy Moriarty, Joe Pesci, Frank Vincent, Nicholas Colasanto, Theresa
Saldana.
Sinopsis: Jack La Motta
es un ex boxeador que se apresta a salir al cuadrilátero en el hotel Barbizon
Plaza. En los instantes previos lanza un discurso teatral al personal de
servicio y la historia se retrotrae al año 1941. El muchacho Jack La Motta se
enfrenta al boxeador Jimmy Reeves y pierde injustamente. Su hermano quien hace
las veces de manager, lo ayuda para poder ganar a su rival Ray Sugar Robinson.
Mientras tanto las cosas en su vida íntima no van nada bien: su mal carácter lo
mantiene en una discusión constante con su esposa. Separado ya de su esposa,
conoce a Vicky, adolescente de aspecto núbil que se mueve en el sórdido mundo
de la drogas; pasa el tiempo, se casan y tienen hijos. Jack piensa que la vida
le da una nueva oportunidad de felicidad, pero su inestabilidad emocional lo
lleva a interrogar violentamente a Vicky sobre sus salidas. Sin embargo el continúa
ganando peleas. Su carrera parece prometedora hasta que pierde contra Billy Fox
habiendo hecho un acuerdo de antemano con la mafia, dando al traste así con su
carrera.
Cometario: La película
está basada en un libro autobiográfico del propio Jack la Motta. La película
tiene una gran carga sicológica que lleva el personaje principal de Robert de
Niro, quien encarna al temperamental boxeador, y quien se llevó el premio Oscar
como mejor actor principal por el mismo. La fotografía impecable, el excelente
guión y el montaje hicieron de Toro Salvaje una cinta épica, la historia del
ascenso y caída de un gladiador moderno de las calles de Nueva York que termina
vendiendo su alma al diablo.
Palabras clave: Martin
Scorsese, boxeo, Robert de Niro, Jack la Motta.
5- Singing in the Rain
Cantando bajo la Lluvia
1952
Director: Genne Kelly,
Stanley Donen
Duración: 103 min
Comedia Musical
Estados Unidos
Reparto: Gene Kelly, Debbie Reynolds, Jean Hagen,
Millard Mitchell, Cyd Charisse, Douglas Fowley, Rita Moreno.
Sinopsis: Un actor de
cine mudo, Don Lockwood junto a un gran amigo Cosmo Brown ascienden al
estrellato. Junto a su pareja Lina Lamont, son la sensación en los estudios,
aunque todo hace parte de una estrategia comercial. En una ocasión Lockwood conoce
a una tal Kathy Selden quien resulta ser corista en una compañía teatral, luego
de haber despotricado del cine al hablar con él. Durante el rodaje de El
Caballero Duelista, una película muda de gran éxito, tanto, que el productor y
Lockwood deciden hacerla hablada pero fracasan por los fallos de sonido y los
pésimos diálogos. De tal manera que sin otra elección deciden convertirla en
musical.
Comentario: Arthur
Freed, el exitoso productor de la Metro Goldwing-Meyer desde 1939 ya había
logrado éxitos de tal magnitud como el Oscar, con Un Americano en París, un año
antes de esta película. El mismo Freed fue quien bautizo la película Cantando Bajo la Lluvia desde mucho
antes. Gene Kelly y Stanley Donen mostraron su disconformidad con ese nombre:
la idea les parecía ridícula. Freed argumentó que había escrito esa canción y
que quería hacer una película con ella. Kelly entonces impuso su escena de
baile, que sería lo más recordado del filme.
La pareja de escritores
harían más tarde el guión de Melodías de Broadway (1953) y Siempre Hace Buen
Tiempo (1955) –esta, también con el dúo Donen/Kelly bajo la supervisión de
Arthur Freed– para M.G.M.
Cantando Bajo la Lluvia
no sería la misma película sin Donald O'Connor y sin el carisma juvenil de Debbie Reynolds, en su primer protagónico
con 19 años.
Palabras clave: Gene
Kelly, Musical, Metro Goldwyn-Meyer.
6 – Gone With the Wind
Lo Que el viento se
llevó
1939
Director: Victor
Fleming
Duración: 222 min
Estados Unidos
Reparto: Clark Gable, Vivien Leigh, Leslie Howard,
Olivia de Havilland, Thomas Mitchell, Hattie McDaniel, Fred Crane.
Sinopsis: Durante el
baile de los Doce Robles en 1861, Scarlett O´Hara conoce a Rhett Buttler y se
entera que Ashley Wilkes piensa casarse con su prima, Melanie Hamilton. Presa
del despecho -pues el amor de su vida es Ashley-, Scarlett se casa con el
hermano de Melanie, que muere al poco tiempo de sarampión. Rhett permanece
siendo alguien importante en su vida y justo cuando se produce el incendio de
Atlanta durante la Guerra de Secesión. Su obsesión y su amor, nunca
correspondido por Ashley, no cejará a pesar del tiempo. Scarlett decide casarse,
luego de dos matrimonios, con Rhett, sin llegar a quererlo realmente, y concibiendo
una hija con él. Pasado el tiempo cuando muere Melanie, Scarlett se da cuenta
del devoto amor que sentía Ashley por su difunta esposa Melanie y trata de
reconciliarse con Rhett. Scarlett una vez más tomará la decisión de conquistar
a su eterno amor.
Comentario: la adaptación
realizada por David o. Selznick de la novela de Margaret Mitchell Lo que el viento se llevó, la
convertiría en una epopeya de dimensiones sólo recordadas por El nacimiento de una Nación, de D: W.
Griffith. Selznick compró los derechos de la novela y adaptó la historia de
amor entre Scarlett y Rhett convirtiendo al libro en uno de los más célebres
después de la misma Biblia, haciendo del filme una verdadera leyenda. La
fórmula del secreto tras la producción se halla en varios factores: el
minucioso casting llevado a cabo por Selznick, que lo llevó a contratar a Clark
Gable -el galán del momento-; la búsqueda de la Scarlett ideal, que lo llevó a
buscar entre Katherine Hepburn y Pauline Goodard, para decidirse por Vivien
Leigh, una joven actriz inglesa casi desconocida. La película terminaría siendo
la más larga y costosa hasta entonces filmada. Su estreno mundial fue en
Atlanta, en diciembre de 1939. Siendo nominada a trece premios de la Academia,
el filme obtuvo al final ocho estatuillas.
Palabras clave: Margaret
Mitchell, Guerra Civil, Clarke Gable, Vivien Leigh.
7- Lawrence de Arabia
Lawrence de Arabia
1962
Director: David Lean
Duración: 216 min
Reino Unido
Reparto: Peter O'Toole, Alec Guinness, Anthony Quinn,
Jack Hawkins, Omar Sharif, José Ferrer, Anthony Quayle.
Sinopsis: Thomas Eduard
Lawrence, el gran escritor y aventurero británico, muere en un accidente de
moto en 1935. Durante sus funerales en la catedral de San Pablo, sus amigos
recuerdan la época cuando fuera un joven teniente enviado a El Cairo, donde
siendo parte del servicio de inteligencia le fue encargada la misión de
contactar al príncipe Faysal que se hallaba en guerra contra el imperio Otomano,
que por entonces invadía sus tierras y era un aliado del imperio Alemán. Al
mando de un destacamento logran asaltar Aqaba, un puerto en Turquia, levantando
así la moral de las tropas tribales.Con apoyo de los británicos, se convierte
en héroe de los guerreros nativos hasta ser capturado por los turcos. Tras
conquistar Damasco e instaurar un consejo Árabe asiste al triunfo político de
Feisal y Allenby, a costa del desmoronamiento de la unidad árabe.
Comentario: David Lean,
dirigió en 1965 Doctor Zhivago, la
crítica la califico como vacua y llena de romanticismo gratuito. Pero con Lawrence de Arabia, el carácter épico
lleno de emotividad con que se narra la vida del aventurero y erudito escritor
británico D.H. Lawrence, le valieron el reconocimiento absoluto. La elección de
Peter O´Toole, un discreto actor británico que le confirió la profundidad al
magistral guión, fue una de las cartas ganadoras. El desierto hace las veces de
escenario del viaje interior de Lawrence y su posterior crisis de identidad. Es
una reflexión convertida en acción. Nominada a diez premios de la academia, la
película ganó siete entre los que figuran mejor película y mejor director.
Palabras clave: Peter O'Toole, David Lean, D.H.
Lawrence, Anthony Queen, Omar Shariff.
8- Schindler´s List
La Lista de Schindler
1993
Director: Steven
Spielberg
195 min
Estados Unidos
Drama
Reparto: Liam Neeson, Ralph Fiennes, Ben Kingsley.
Sinopsis: Durante la
ocupación de Cracovia, Oskar Schindler, un industrial alemán perteneciente al
partido nazi, aprovecha la mano de obra barata para su industria. Cuando llega
a un acuerdo con el comandante del campo de concentración, dispone de mano de
obra de trabajadores judíos para su fábrica de artículos de cocina. Itzhak
Stern, su contador es un hombre indispensable para el funcionamiento de la
fábrica. A medida que avanza la guerra y al percatarse de la brutalidad, cada
día en aumento, de los nazis contra los judíos, Schindler decide hacer algo
para evitarlo. Decide contratar cada vez más mano de obra judía, llegando a
tener 1.200 trabajadores a su servicio. Al final Schindler se da cuenta de que
salvar a todos los judíos del Holocausto es imposible.
La película tiene
características de documental lo que la equipara prácticamente a un documento
histórico. Spielberg cámara en mano, dando tal impresión de realismo que
el espectador no puede permanecer
indiferente si se piensa que todo ello sucedió realmente y de forma mucho más
cruenta de la que se nos muestra. La niña del vestido rojo es una muestra del
estilo narrativo sutil y diciente de Spielberg, que representa el genocidio y
el derramamiento humano fútil y despiadado.
Comentario: El
empresario alemán Oskar Schindler, al principio fue indiferente al sufrimiento
de los judíos, pero al ver los atropellos nazis contra el pueblo judío, tal
como lo cuenta el filme, quiso ayudar hasta el último de Polonia. Su historia
rescatada por Spielberg, hizo despertar el sentimiento antinazi en todo el
mundo. De hecho la tumba de Schindler se halla ubicada en Jerusalén pues el
gobierno israelí incluso llegó a ofrecerle asilo. Schindler murió en Alemania
en 1974, agobiado por la indigencia total.
Spielberg preparó la película por casi diez años. Fue una película que
desde que su exhibición pública ya recibía comentarios favorables de la crítica
y el público. Es de alguna manera, la cuenta saldada del director con sus
antepasados judíos. Ganó siete premios Oscar, entre los que están mejor
película, mejor director, mejor fotografía, mejor guión adaptado y mejor banda
sonora.
Palabras clave: Steven Spielberg, Holocausto Nazi,
Oskar Schindler, Itzhak Stern.
9- Vertigo
Vértigo
1958
Director: Alfred
Hitchkock
Duración: 128 min
Estados Unidos
Suspenso
Reparto: James Stewart,
Kim Novak, Barbara Bel Geddes.
Sinopsis: El detective
Scottie Ferguson que padece de vértigo se retira del servicio cuando un
compañero cae al vacío durante una persecución. Gavin Elster, un antiguo
compañero de estudios le contrata para vigilar discretamente a su esposa
Madeleine.
Su mujer sufre de
melancolía. Cree estar poseída por su bisabuela, Carlota Valdés, muerta cien
años antes, con ánimo de matarla. Scott la sigue por toda la ciudad:
cementerios, tiendas, hoteles, museos, etc. Al mismo tiempo empieza a investigar la
trágica historia de Carlota Valdés. Intenta evitar el suicidio de Madeleine,
que finalmente, no se lanza desde la torre de un campanario. Se encuentra con
la certeza de que estaba enamorado de Madeleine y entra en estado de depresión.
Luego encuentra a otra
mujer, Judy Barton y entonces no puede evitar hacer un vinculo con la difunta
Madeleine. Intentando recobrarla, se hace amigo suyo e intenta transformarla en
su antiguo recuerdo, la hace vestirse y actuar como la muerta.
Comentario: el filme
fue rodado en los estudios de la Paramount Pictures entre los meses de setiembre
y diciembre de 1957, así como en los exteriores de San Francisco, California. Su
guión está inspirado en la obra literaria De
Entre los muertos de Pierre Boileau y Thomas Narcejac; Alec Coopel adaptó
el guión, y Samuel Taylor un dramaturgo, otra vez, lo reescribió. Vértigo es
una muestra de las dotes narrativas de Hitchcock. Su atmósfera cargada de
elementos trágicos, le dan ese aire de estilo negro, con el toque magistral del
director británico. James Stewart logra una conjunción esplendida con Kim
Novak, para hacer del papel de Madeleine realmente un carácter excelente.
Vértigo fue recibida
con cierta frialdad por crítica y público. Mientras que en Francia, la crítica
francesa, entre ellos François Truffaut y Jean-Luc Godard, rescataron el
talento de Hitchcock, dándole un estatus de gran director, que ahora tiene.
Vértigo es una verdadera obra maestra del suspenso.
Palabras clave: Alfred
Hitchcock, James Stewart, Kim Novak.
10- Wizard of Oz
El Mago de Oz
1939
Director: Victor
Fleming
Duración: 101 min
Estados Unidos
Musical
Reparto: Judy Garland, Frank Morgan, Ray Bolger, Jack
Haley, Bert Lahr, Billie Burke, Margaret Hamilton.
Sinopsis: Un
ciclón arrastra la humilde casa donde la pequeña Doroty donde vive con sus dos
tíos. Va a dar por los aires al país de los Golositos, al aterrizar la casa,
aplasta a la perversa bruja del Oriente. Glinda, una bruja buena, le entrega un
par de zapatillas color rubí y la envía donde el poderoso Mago de Oz. Dorothy
se encuentra de camino con un Espantapájaros quien busca un cerebro; un Hombre
de hojalata que busca un corazón y un León que busca el valor. El Mago dice que
les ayudará si roban la escoba de la Bruja del Oeste. Dorothy y Toto, su perro
caen en sus garras, pero sus amigos les rescatan y vencen a la Bruja. Pese a
que el Mago y sus poderes resultan en un fraude, los tres amigos hallan las
cualidades buscadas gracias a su esfuerzo.
Dorothy, siguiendo un
ritual mágico golpea sus zapatillas una contra otra diciendo: «No hay lugar
como el hogar», entonces retorna por arte de magia a Kansas. La bruja buena le
indica que a sólo través del Mago de Oz
podrá retornar. Emprende sola el largo viaje viaje. Durante el camino conoce a
un espantapájaros que anhela poder pensar; un leñador de hojalata sin corazón y
a un león asustadizo. Viajan juntos camino de la ciudad Esmeralda, hogar del
gran mago de Oz. Cada uno lleva un deseo: un cerebro, el espantapájaros; un
corazón, el leñador; el león, valor; Doroty, conseguir compañía y afecto de su familia.
El anhelo será el motor de su búsqueda.
Comentario: de todos los
libros de Frank Baum que se han adaptado al cine, esta adaptación musical por
parte de la Metro-Goldwyn Mayer, es aun la más famosa. Pese a que el rol de Judy Garland
representando a Dorothy Gale parece inseparable, los estudios primeramente
habían pensado Shirley Temple o Deanna Durbin para el papel. Judy Garland,
quien a sus diecisiete años era algo mayor para el papel, fue un asunto sin
importancia. Garland aportó al papel un aspecto de inocencia, vulnerabilidad y
sorpresa ante las cámaras, la academia la premió con un Oscar especial por la
mejor interpretación juvenil de ese año.
Palabras clave: Judy
Garland, Frank Baum, Victor Fleming.
11- City Ligths
Luces de la Ciudad
1931
Director: Charles
Chaplin
Duración: 86 min
Estados Unidos
Comedia
Reparto: Charlie Chaplin, Virginia Cherrill, Florence
Lee, Harry Myers.
Sinopsis: Un golfo
callejero, sin techo y sin comida, queda prendado de una vendedora de flores
ciega. Su amistad casual con un millonario al que salva providencialmente de
morir, y que tras la resaca jamás recordará haber cruzado palabra con él, le
sirve como herramienta para ganarse la atención de la muchacha. Una ocasión,
tras haber probado suerte en diferentes maneras de ganar dinero, se encuentra
de nuevo al millonario ebrio al que el mendigo pide mil dólares y a quien éste
se los entrega gustosamente. Una vez sobrio, el millonario hace apresar al
hombre, quien le ha dado el dinero a la florista quien estaba a punto de dar a
la calle y quien se hace operar de los ojos. El mendigo va a dar a la cárcel y
luego de un tiempo, cuando sale del presidio, la florista lo reconoce como su
benefactor.
Comentario: Chaplin,
convencido de que el cine sonoro no era algo pasajero, detuvo temporalmente la
realización de su última película reflexionando sobre su proyecto
cinematográfico que solventara de su propio bolsillo. Aunque Luces de la ciudad -estrenada en 1931- tiene una
banda sonora compuesta por Chaplin así como algunos efectos sonoros; sin embago, es todavía una película muda (era ya el quinto año de la era del cine
sonoro). Chaplin se arriesgó y el filme tuvo una respuesta inmediata en el público. Bernad Shaw, Winston Churchill e incluso el director ruso Sergei
Eisenstein, no pudieron evitar derramar
algunas lágrimas durante la proyección. El caluroso recibimiento del público
nostálgico de cine mudo, fue buen augurio para Chaplin. Todavía hoy sigue
siendo una de las películas más importantes de la historia. Su frescura en las
interpretaciones demuestra que el arte permanece incólume ante las innovaciones
técnicas.
Su línea argumental
simple, ofrece una capacidad de matices que sólo Chaplin podía conseguir y que
en esta película alcanzar el punto máximo de sutileza en la expresividad.
«Contemplar esa escena hace que a uno se le encoja el corazón… además, es la más grandiosa actuación jamás
vista en una pantalla y una de las cumbres de la historia del cine», dijo un
critico, sobre la escena final entre la florista y el vagabundo.
Palabras claves:
Charles Chaplin, Cine mudo.
12- The Searchers
Centauros del desierto
1956
Director: John Ford
Duración: 119 min
Estados Unidos
Reparto: John Wayne, Jeffrey Hunter, Vera Miles,
Natalie Wood, Ward Bond.
Sinopsis: Luego de la
derrota del ejército confederado en la Guerra de Secesión, Ethan Edwards vive con
su hermano Aaron en el rancho. Se halla ausente con los Texas Rangers al
momento en que los comanches asalten el rancho, asesinar a todos y secuestran a
Debbie y Lucy sus sobrinas. En su obsesivo deseo de venganza, parte en su
persecución junto a Martin Pawley y Brad Jorgensen. En el camino, halla el
cadáver de Lucy y enfrentará la muerte de Brad. Su persecución continúa por
cinco años y, al fin cuando hallan a Lucy, se mostrará reacia a ir con ellos.
Pawley interviene evitando que Edwards, convencido de que se ha convertido en
una salvaje comanche, la mate. Mientras preparan un ataque contra el campamento
comanche, Pawley va a rescatar a la joven. Cuando termina el asalto, la chica se
enfrentará a Edward, que finalmente le respeta la vida y la trae de retorno a casa.
Comentario: Centauros del Desierto es una compleja y
sombría fábula acerca del afán de venganza y la búsqueda de la identidad
personal. John Ford consiguió con ella su logro mayor en el género del western.
La virtud de Centauros del desierto reside en la habilidad de convertir una de
las líneas arguméntales básicas del western, en una profunda reflexión bien
lograda iconográfica y psicológicamente, acerca del género su semiótica
subyacente. John Wayne ofrece una interpretaciones perdurable en el papel de
Edwards, quien odia a los indios pero paradójicamente su naturaleza sicológica
lo acerca a su estado salvaje.
A medida que avanza la
búsqueda de Debbie, los dilemas morales y de personalidad se van multiplicando.
Su costumbre, adoptada de los indios comanches, de cortar cabelleras resulta tan
salvaje como las mismas atrocidades perpetradas por ellos y poniendo de
manifiesto que el propio Edwards se halla atrapado en una tierra de nadie
psicológica y concreta, como queda expuesta en la simbólica de la escena final,
cuando vacila en el instante previo a la entrada de la casa y antes de cerrar
definitivamente la puerta.
El carácter de Wayne se
halla entre los dos polos que propone la película. Por un lado, sus costumbres
le excluyen de la civilización que representan el hombre blanco, por otro, se
niega a aceptar los lazos que le unen con mundo de los detestados indios y su
existencia salvaje. El dilema de este personaje ambivalente tiene resonancia por
ser interpretado por John Wayne, el actor que representa el súmmum del héroe
clásico del western. El atractivo intemporal de Centauros del desierto debe buscarse en el hecho de que es en el
fondo un soberbio relato de aventuras, pero por otro lado, sus implicaciones
van más allá y lo hacen por encima de todo ello, un análisis de los valores propios
del género western.
Palabras claves: John Ford, John Wayne, Western.
13- Star Wars
La Guerra de las
Galaxias
1977
Director: George Lucas
Duración: 121 min
Estados Unidos
Reparto: Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher,
Peter Cushing, Alec Guinness, Anthony Daniels, Kenny Baker, Peter Mayhew, David
Prowse.
Sinopsis: la princesa
Leia, tras su captura por Grand Moff Tarkin, logra implantar un holograma en el
robot R2D2 que, en compañía de otro robot, C3P0, consigue escapar. Luke
Skywalker, quien ha adquirido ambos a un vendedor de chatarra, halla el mensaje
de Leia y busca a Owi-Wan Kenobi, quien le informará que su padre fue un
caballero Jedi y tratará de instruirle en la disciplina de «La Fuerza», un
poder interior similar al zen. Luego de que sus parientes han sido muertos por
los hombres de Tarkin, Luke contrata al piloto Han Solo para que le lleve él y
a Obi-Wan hacia la Estrella de la Muerte. Mientras el grupo salva a la princesa
Leia, Obi-Wan muere confrontándose a Darth Vader, dándole antes «La Fuerza» a
Luke. Al arribar al planeta rebelde, Luke Skywalker se presenta como voluntario
en un ataque aéreo contra la Estrella de la Muerte y apoyado por Han Solo la
destruye. Dark Vader sin embargo resulta
ileso y dispuesto a volver a dar guerra.
Comentario: El filme La guerra de las galaxias fue un suceso sin precedentes en la historia
del cine de aventuras de alto presupuesto, llena de efectos especiales, que
coparon las listas de éxito en la década siguiente a su aparición. Para George
Lucas y Steven Spielberg, los filmes de la serie B de Hollywood y los seriales
de bajo presupuesto que vieron durante su infancia fueron los que los inspiraron
para sus obras de mayor éxito. Definida básicamente como un conflicto entre el
bien y el mal -el joven héroe, Luke Skywalker, y su enemigo Darth Vader y su Imperio, la
película supone un cierto avance con respecto a la moralidad simplista de por
ejemplo Flash Gordon. La superioridad moral de la cruzada emprendida por Luke
Skywalker es una batalla contra las fuerzas oscuras que anidan en su interior,
donde se entera que Vader es su padre.
De todos modos la
película es algo más que un mero despliegue de acción, su gran taquilla le debe
también mucho a la maestría de su ejecución. En la ceremonia de los premios Oscar
se llevó todas las categorías técnicas: efectos especiales, montaje, sonido,
dirección artística, banda sonora y por vestuario.
Palabras clave: George
Lucas, Ciencia Ficcion, Dark Vader, Luke Skywalker.
14- Psycho
Psicosis
1960
Director: Alfred
Hitchcock
Duración: 109 min
Estados Unidos
Suspenso
Reparto: Anthony
Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam, Virginia Gregg,
Jeanette Nolan.
Sinopsis: Huyendo con
40.000 dólares, Marion Crane, busca hospedaje en el motel Bates. Norman el hijo
de la anciana propietaria, decide darle hospedaje al hombre, pese a la tajante
oposición de ella. Luego Norman encontrará brutalmente apuñaleada en la ducha a
Marion, y se verá obligado a deshacerse de su cadáver. Luego llega al
establecimiento un detective privado siguiendo el rastro de Marion, siendo
también asesinado a machetazos por Norman. Después Lila, la hermana de Marion,
junto a Sam Loomis, llegan al motel. Mientras hacen pesquisas buscando por todo
el hotel Crane golpea a Sam dejándolo inconsciente; al mismo tiempo, Lila,
halla el cadáver de la señora Bates. Justo en ese instante Norman vestido con
las ropas de la señora Bates, intenta asesinar a Lila, siendo detenido por Sam.
Norman Crane, ya apresado, intentará covencer a todos de su supuesta inocencia.
Comentario: dentro del
género del cine de suspenso y en la totalidad de la obra de Hitchcock esta
película puede considerarse como una de las verdaderas obras maestras. Su
impresionante despligue ténico, en lo que se refiere a la estructura narrativa,
los elementos propios de la atmósfera zozobrante con encuadres y tomas de gran
impacto sicológico, aunado a las inmensas dotes musicales de Bernard Hermann,
consiguen que el espectador participe con las emociones que le entrega la
película. Inspirada las macabras acciones de Ed Gein, un asesino serial apodado
"El necrófago de Wisconsin", en cuya noticia se inspiró Robert Bloch
para escribir Psicosis, novela que da el título al filme y asocia
definitivamente su nombre a ella.
El uso del blanco y
negro y las técnicas empleadas en la realización son reflejo de la destreza que
Hitchcock había adquirido rodando para televisión así como el limitado
presupuesto otorgado por la producción, no eran buen augurio. El reducido
presupuesto afectó el reparto y el rodaje, pero el director persistió.
Hitchcock la tuvo como muestra de cine sicológico; otros la tenían como una simple atracción más de
temporada. La película tuvo sendas nominaciones pero ningún premio.
Palabras Clave: Robert
Bloch, Alfred Hitchcock, Bernard Hermann, Anthony Perkins.
15- 2001: A Space
Odyssey
2001: Odisea en el
espacio
Director: Stanley
Kubrick
Duración: 141 min
Estados Unidos
Ciencia ficción
Reparto: Keir Dullea,
Gary Lockwood, William Sylvester, Daniel Richter, Leonard Rossiter,Margaret
Tyzack, Robert Beatty.
Sinopsis: Tras el
hallazgo de un misterioso monolito de granito negro un grupo de hombres mono,
súbitamente comienzan a notar un ascenso evolutivo de su inteligencia. Luego,
en el futuro, se descubre enterrado en la luna un monolito idéntico que emite
señales hacia el planeta Júpiter. Una nave es enviada para investigarlo. Los
tripulantes encabezados por el comandante Bowman Poole, tres compañeros que permanecen en
estado de hibernación y un ordenador infalible llamado HAL, que controla la
nave.
Mientras descansan, HAL,
mata a los astronautas que hibernan deja a Poole vagando en el espacio. Tras
neutralizar a HAL, Bowman continuará su viaje. Cerca a Júpiter divisa un
monolito y entra en una dimensión desconocida, allí encuentra a su doble
envejecido. Al acercarse al monolito retorna a ser el feto que dará origen a
una nueva humanidad.
Comentario: basada en
la novela de Arthur C. Clarke, 2001 Odisea del espacio, es una película que toma
la historia humana y su futuro como argumento. La célebre escena en que con una
herramienta ósea del hombre primitivo sale volando por los aires para
transformarse en una inmensa nave espacial en órbita. Las interpretaciones a
las que ha dado lugar el filme, van desde mostrar al espectador el avance
relativo de la humanidad en la técnica para llegar al dominio de la naturaleza,
hasta el destino individual representado en la escena final.
Se ha alegado por
muchos críticos que la película adolece de calidez y transpira cierta frialdad.
Resulta paradójico, pues Kubrick, lo que intentaba hacer era una metáfora para
advertirnos hasta donde nos había de llevar el vertiginoso avance de la
tecnología. Su logro es de tal perfección en la puesta en escena y la
ejecutoria del filme –sumado a la impecable banda sonora con música de Gyorgy
Ligeti, Johann Strauss y Richard Strauss, con su evocador inicio nietzscheano-
que consigue dar esa impresión de friadad pura y maquinal en las atmósferas al
interior de la nave.
Nominada a cuatro
premios de la Academia, recibió el Oscar por mejores efectos especiales. Sus
dividendos fueron de 24 millones de dólares. Este filme consagró a Kubrick como
maestro indiscutido de la vanguardia del celuloide.
Palabras Clave:
Kubrick, Arthur C. Clarke, 2001 Odisea
en el espacio.
16- Sunset Bulevard
1950
Director: Billy Wilder
Duración: 110 min
Estados Unidos
Drama
Reparto: Gloria Swanson, William Holden, Erich Von
Stroheim, Nancy Olson, Jack Webb, Cecil B. De Mille, Hedda Hopper, Buster
Keaton, H. B. Warner.
Sinopsis: un guionista de cine desempleado Joe Gillis tiene el
agua hasta el cuello de deudas, con acreedores siguiéndole el rastro, se
refugia en una mansión en apariencia abandonada. Cuando Norma Desmond la
propietaria, quien fuera una ex actriz del cine mudo, quien vive con su
criado, Max Von Mayerling Joe, lo ve, lo
confunde con un empleado de pompas fúnebres que vendría para enterrar a su
mascota, pero luego al aclararle que es guionista, la señora Desmond le
contrata para escribir un guión. Sin querer Joe se instala en la ruinosa mansión
y poco a poco empieza a tratar de ganarse la confianza de Desmond para
conseguir su dinero. Al mismo tiempo empieza una relación con Betty. El giro de
tuerca tiene lugar al enterarse Desmond de las actividades de Joe quien la
confronta tras romper con Betty. En la acalorada discusión Norma Desmond le
dispara a Joe, cuyo cadáver terminará flotando en la piscina de la mansión.
Comentario: En 1999, el
Instituto Fílmico Americano puso en el doceavo puesto de las cien películas más
importantes de ls historia. El éxito del filme quizá obedezca a sus magistrales
actuaciones. La actuación de Gloria Swanson como Norman Desmond, quién fuera
durante la era del cine mudo, una actriz sin mucha relevancia. La fuerza del
guión pone de relieve las capacidades histriónicas de Swanson. En la escena en
la que se indigna contra la actitud de desprecio de Hollywood hacia los actores
del cine mudo, es una verdadera joya, con Swanson recortada de perfil contra la
luz del proyector. A pesar de su éxito en Hollywood, Sunset Boulevard no le
granjeó muchos amigos a Billy Wilder. Las expresiones del público durante la
primera proyección fueron desconcertantes: una actriz se inclinó a los píes de
Gloria Swanson a besar su vestido en signo de adoración; Louis B. Mayer, por su
parte, lleno de indignación levantó su puño para condenar a Wilder:"deberíamos
echar a Wilder del seno de Hollywood; ha arruinado nuestra industria tiñéndola
de desgracia". De su nominación a 11 premios, recibió cuatro: guión,
dirección artística, decorados y edición.
17- The Graduate
El Graduado
1967
Director: Mike Nichols
Duración: 105 min
Estados Unidos
Drama
Reparto: Anne Bancroft,
Dustin Hoffman, Khatarine Ross, Murray Hamilton.
Sinopsis: Tras
graduarse con honores de la universidad, Benjamin Bradock, se halla con la
encrucijada que representa su futuro como profesional en los círculos de la
alta sociedad en que se mueve. En un baile en honor del graduado, Mrs Robinson
pide a Benjamin que la lleve a su casa. Ella lo seduce y los dos se trenzan en
una relación íntima. Benjamin conoce a la hija de su amante, Elaine, por quién
se siente atraído. Al percatarse, Mrs Robinson trata de alejarla de Benjamin diciendo
a Elaine que él la ha violado. Cuando Elaine, que tiene un compromiso
matrimonial con un tal Carl Smith,
escucha la versión de Benjamin, decide creerle a él y no a su madre.
Durante la boda de Elaine, Benjamin llega a la iglesia y huye con la joven
antes de que se case con su novio.
Comentario: el director
Mike Nichols tenía en mente un filme que hiciera una crítica del excéntrico de
las familias de Los Ángeles. También pretendía reflexionar acerca de las
ambiciones y proyectos de una generación que atravesaba por una crisis de
valores -Estados Unidos libraba una guerra en Vietnam, donde gran parte de su
juventud se inmolaba fútilmente-, cuestionando el conservadurismo político de
la generación de los cuarentas.
Nichols tuvo en mente
para el casting inicialmente al
carismático Robert Redford, quien por su atractivo físico no resultaba
particularmente ideal para el personaje de un muchacho tímido con las mujeres.
Al fin, el director encontró a Dustin Hoffman que encarnaba perfectamente el
prototipo del joven inocente de extracción pequeño burguesa, cuya relación con
una mujer madura representa un cuestionamiento de los valores cambiantes de la
burguesía. El enfoque sicológico en la visión personaje por la técnica
narrativa del director, que se va tronchando a medida de que su realidad va
siendo trastornada, es una constante a través de la película.
La frescura de la banda
sonora y las problemáticas juveniles recreadas en el filme, hacen de esta una
películas más célebres de los sesentas y que le otorgó a Nichols el galardón a
mejor dirección.
Palabras clave: Mike
Nichols, Dustin Hoffman, Mrs Robinson.
18-The General
La Maquinista de la
General
1926
Directores: Clyde
Bruckman y Buster Keaton
Duración: 74 min
Comedia
Reparto: Buster Keaton,
Marion Mack, Glen Cavender, Jim Farley.
Sinopsis: durante la
Guerra Civil, John Gay, es un maquinista que se presenta como voluntario al
ejército confederado pero resulta rechazado, por cuanto su oficio resulta vital
y no puede ser descuidado. A causa de esto Anabelle su novia rompe su
compromiso, creyendo que John es un cobarde. Tiempo después, mientras John
conduce el tren a bordo del cual va Anabelle, éste es capturado por los
soldados de la Unión. Tras el hecho John emprende la persecución y logra
capturar de nuevo el tren. Ya en terreno enemigo, el maquinista prende fuego al
tren, que ahora es de provisiones de la Unión, y lo hace precipitarse a la
altura del puente Rock River. Por causa del azar su hazaña, el ejército
confederado logra concretar una victoria en el frente del sur, por lo que es
condecorado como oficial recuperando a Anabelle.
Comentario: Buster
Keaton es uno de los actores más célebres de la era del cine mudo. Su posterior
surgimiento por parte de la crítica, hace que La Maquinista de la General, sea
su obra más aclamada por sus precisas caracterizaciones, su despliegue de dotes
técnicas y su meticulosidad de dirección.
El argumento del filme
se basa en hechos reales sucedidos durante la Guerra Civil. El cómico
estoicismo del personaje del maquinista logra conferir fuerza a la
caracterización. Las tomas de los planos generales, consiguen transmitir
espectacularidad en las escenas cómicas con las que la precisión de Keaton,
hace contrastar las acciones entre lo heroico y lo cómico. Una de las destrezas
de dirección de Buster Keaton, consiste en dar impresión de sencillez en las
actuaciones, haciendo que el espectador disfrute sin percibir el tremendo
esfuerzo técnico de la ejecución de sus obras.
Palabras clave: Buster
Keaton, Guerra Civil, La Maquinista de la General.
19- On the Waterfront
La Ley del Silencio
1954
Director: Elia Kazan
Duración:108 min
Drama
Reparto: Marlon Brando,
Eva Marie Saint, Karl Malden, Lee J. Cobb.
Sinopsis: dentro de una
banda de matones que tiene control sobre el sindicato de estibadores Terry
Maloy, es usado por Charley para tenderle una trampa a un miembro de sindicato que se niega a cooperar.
El padre Barry y la hermana del difunto, Edie, quieren llevar ante la justicia
a los responsables del asesinato. Charley ordena a su hermano Terry, espiar las
actividades de Edie. Al conocerla se enamora de ella, y al morir un testigo
clave en la investigación, Terry revela a Edie su participación en el crimen.
Luego Terry declarará ante el jurado contra la banda; Charley muere asesinado a
manos de la banda por no evitar la traición de Terry. Éste recibe una golpiza e
intenta redimirse llevando a los trabajadores de vuelta a sus actividades.
Comentario: basada en
una crónica periodística en la que el escritor Bud Shulberg narra las acciones
criminales en los muelles. El propio Kazan y Schulberg, el escritor de la
novela, fueron en su momento llamados a descargos por el célebre Comité
Antiamericanos. Algunos críticos han pretendido ver en el personaje de Terry
Maloy un alter ego de ambos creadores para redimirse.
El papel de Terry,
pensado inicialmente por Kazan para Frank Sinatra, terminó haciendo de las
características actorales de Marlon Brando una de las cualidades principales de
la película. Una escena particularmente famosa, en la que Brando, en una
conversación en apariencia vulgar dentro de un taxi con Charlie, resulta en
unas líneas magistrales en que gira en eje dramático del filme. Brando, que
poco a poco iba forjando su extraordinaria carrera actoral, comenzada un par de
años atrás con Un Tranvía llamado deseo
de 1951 sobre la obra de Tenesse Williams, ganaría el galardón por mejor actor
ese año.
Palabras clave: Elia
Kazan, Marlon Brando, Terry Maloy.
20- It's a Wonderful
Life
Qué Bello es el vivir
1946
Director: Frank Capra
Duración: 129 min
Reparto: James Stewart, Donna Reed, Lionel Barrymoore,
Thomas Mitchell.
Sinopsis: el personaje
de George Bailey, ha llevado una vida dedicada a una empresa de hipotecas
familiares. Su vida en apariencia estable hasta que el tío Billy, pone la
herencia familiar en manos de un inescrupuloso banquero. George se ve de
repente ante la inminente posibilidad de la ruina o la prisión, por lo tanto,
toma la decisión de acabar con su vida de una buena vez. Justo antes que hecho
se consume, la visión de Clarence un ángel que le mostrará qué sería de las
vidas ajenas de no ser por su existencia, le hacen repensar su idea de que la
vida carece de sentido.
Comentario: el
idealismo romántico quizá influenciado por Dickens, que Capra comunica a los
espectadores de esta película, han dado píe a los críticos para juzgarlo como
un sentimentalista ingenuo. Lo cierto es que ésta ejecución cinematográfica de
gran factura, no tiene discusión en lo que a calidad se refiere. El Gran Regalo, un relato corto de
espíritu navideño escrito por Charles van Doren, sirvió de base al filme. El
papel fue destinado inicialmente al eterno galán, Cary Grant, fue dado a James
Stewart, recién llegado de la guerra igual que Capra. El uso de los primeros
planos, revelando la turbulencia sicológica de los personajes, de una impresión
de gran expresividad, en especial, por parte de James Stewart. La impecable
narración y el elemento emocional implícito en toda la historia la hacen ser
recordada como un clásico de todas las épocas, siendo incluso a veces comparada
a la obra de Charles Dickens A Christmas
Carol.
Su estreno en las salas
de cine, significó un fracaso de taquilla, pese a estar nominada a cinco
premios de la Academia, de los que no consiguió ninguno. Pese a ello, el tema
navideño y el cariño de la gente por la entrañable sencillez y belleza de la
película, la hacen merecedora de tener un sitio entre las favoritas de la
historia.
Palabras claves: Frank
Capra, James Stewart, Charles Van Doren.
21-Chinatown
Barrio Chino
1974
Director: Roman
Polanski
Duración:131 min
Reparto: Jack Nicholson, Faye Dunaway, John Houston.
Sinopsis: una mujer
contrata a J.J Gittes, para que siga a un hombre, haciéndose pasar por su
esposa. Cuando aparece el cuerpo del señor Mulway, su verdadera esposa demanda
al fotografo por las tomas donde su difunto esposo aparece con una jovencita y
que son publicadas por un pasquín. El fotógrafo logra deducir en sus pesquisas
varios puntos cruciales: el cadáver de Sessions, la pista de Noah Cross, un
terrateniente y el rol de Mulway en la construcción de una presa. Gittes, sabrá
después que Cross junto a Katherine su hija son complices; y que Ewelyn fue
violada por Cross. Al final la joven morirá en Chinatown, tratando de huir
junto a unas mujeres cruzando México.
Comentario: el filme de
Polanski, trata sobre el fenómeno del mal inherente, a la condición humana
aunque focalizada argumentalmente en la sociedad ausente de valores de los
Estados Unidos de los años treinta. De alguna manera, puede verse como un
homenaje a las novelas del género negro de Dashiel Hammet y Raymond Chandler.
Polanski logra tomar distancia en la realización del filme, de la tumultuosa
atmósfera de Los Ángeles de la década de los treintas con su visión de
extranjero ausente de romanticismos particulares. De acuerdo al guión original
de Robert Towne, un ex agente de policía, Ewelyn la joven violada por Cross
lograba escapar a sus garras; pero el filme de Roman Polanski, no visumbra una
luz de esperanza al final del tunel, en
su visión tan sombría para el personaje.
Las actuaciones
magistrales de Jack Nicholson, pero especialmente de Faye Dunaway, hacen que el
espectador se concentre en el hilo de la narración. La película con once
nominaciones al Oscar, fue premiada con
sólo un premio al mejor guión. El intento de continuar con la saga de la obra
tuvo lugar en la década de los noventa con Two
Jackes, dirigida por Jack Nicholson, sin repercusiones mayores por parte de
la crítica.
Palabras claves: Roman
Polanski, Jack Nicholson, Chinatown.
22- Some like it Hot
Con faldas y a lo loco
1959
Dirección: Billy Wilder
Duración: 120 min
Estados Unidos
Comedia
Reparto: Marilyn Monroe,
Tony Curtis, Jack Lemmon, George Raft, Pat O'Brien, Joe E. Brown
Sinopsis: la vida de
dos cantantes de jazz, Jerry y Joe, toma un giro imprevisto cuando por
casualidad presencian una masacre entre dos bandas de la mafia de Chicago. Ante
la amenaza de ser liquidados, deciden emprender un largo viaje hasta Florida.
Allí logran infiltrase en una orquesta femenina como Daphne y Josephine,
respectivamente. Si bien las nuevas integrantes no son un dechado de belleza,
logran pasar desapercibidas para casi todo el mundo. Parece la coartada
perfecta, hasta que Josephine se encapricha de una hermosa cantante rubia;
igual suerte correrá Daphne de la que un viejo tumbalocas se prenda.
Comentario: Wilder con
su genial sentido del humor, nos hace vivir las peripecias de dos hombres
travestidos de mujer, huyendo de la mafia. Ubica su relato en los gloriosos y
decadentes años veintes, con su despliegue de habilidad narrativa, donde el
giro de tuerca se vuelca en la situación común de la “comedia de las
equivocaciones”, tan antigua en el arte como lo fuera ya desde los tiempos de
Shakespeare. La excelente historia que es un guión del propio Wilder y Diamond,
basada en parte de anécdotas vividas en
la Berlín de aquellos años y en un relato previo de un par de autores. Some like it Hot, cuya traducción es un
poco descabellada al español, teniendo en cuenta que al parecer tiene que ver con
el ritmo desenfrenado que el jazz adquiría en los salones de baile, tornando su
interpretación en verdadera hot music.
Los roles de Tony
Curtis y Jack Lemmon, dan al filme su toque particular junto a una grandiosa
Marilyn Monroe, que en algunas escenas despliega sus dotes escénicas y
musicales cantando dos temas: "I wanna be loved by you" y "I'm
through with love".
Una verdadera obra
maestra del género comedia, con escenas memorables como la que representan el
viejo verde, interpretado por Joe E. Brown y Jack Lemmon bailando “La
Cumparsita”; memorable es también e final, donde Lemmon tras un montón de peros
para persuadir al viejo de que no pueden casarse, incluído el de que es un
hombre disfrazado, y cuya respuesta es un contundente: -Nadie es perfecto.
Palabras claves: Billy Wilder, Tony Curtis, Jack
Lemmon, Marilyn Monroe.
23- The Grapes of Wrath
Las Uvas de la ira
1940
Director: John Ford
Duración: 125 min
Estados Unidos
Reparto: Henry Fonda,
Jane Darwell, John Carradine, Charley Grapewin.
Sinopsis: Actuando en
legitima defensa, Tom Joad purga una pena por homocidio. Al volver a la granja
paterna de Oklahoma, su familia se ve ad portas de la ruina por un deshaucio.
Emprenden un largo éxodo con destino a California. Las privaciones y el
desprecio son la moneda común durante su penoso camino. Casy, un sacerdote que
alza su voz de protesta en su favor, durante su estancia en un campamento
temporal, es asesinado. Por su parte Tom, cobra venganza en nombre del
religioso, ahora como prófugo, huye de las autoridades yendo a dar a otro nuevo
refugio estatal, donde jura luchar por la dignidad de quienes sacrifican su
vida trabajando. Por su parte, la abnegada madre promete mantener unida a la familia
por sobre todas las circunstancias del destino.
Comentario: inspirada
en las penurias sin cuento de las familias norteaméricanas del tiempo de la
depresión, John Steinbeck logró escribir una novela de un crudo realismo que,
casi sin alteraciones importantes, fuera llevada al cine en los cuarentas.
Siendo un verdadero éxito de ventas, la productora Twenthiet Century Fox,
compró al escritor los derechos, comprometiéndose a mantener el espíritu de
critica social de la novela.
Considerada como una
suerte de épica del desarraigo, la cinta evoca según palabras del director, las
hambrunas del pueblo irlandés desterrado y condenado a la muerte por inanición.
Por tal razón la novela misma fue prohibida e incluso incinerada por exaltar
valores socialistas.
Ford siempre se vería
atraído por el tema del desarraigo. Varias obras del director tocan el tópico
concerniente a la busqueda incesante de un territorio pacífico para un grupo
humano, adquiriendo así su estatus natural de "buen salvaje".
Siendo nominada a mejor
actuación, a cargo de Henry Fonda, el filme se llevó finalmente dos
estatuillas: mejor director y mejor actriz.
Palabras claves: John
Ford, Henry Fonda, John Steinbeck, Gran depresión.
24- E.T, The
Extra-terrestrial
E.T. El extraterrestre
1982
Director: Steven
Spielberg
Duración: 115 min
Estados Unidos
Ciencia Ficción
Reparto: Dee Wallace, Henry Thomas, Peter Coyote, Drew
Barrymoore.
Sinopsis: un
extraterrestre pierde su rumbo y resulta en el jardín de una casa. Elliot junto
a sus hermanos Michael y Gertie, ocultan al extraño ser y le dan cobijo. Todos
tratan de ayudar a E.T. para que pueda retornar otra vez a su casa. Pasado un
tiempo en que el extraterrestre decae, Elliot, paulatinamente se irá
enfermando. Al fin hallarán al extraterrestre y Elliot recobrará la salud
milagrosamente por obra de E.T., que muere. No obstante al contactarse con su
hogar, resucitará, siendo llevado de nuevo por una nave en lo profundo del
bosque.
Comentario: más allá de
las posibles interpretaciones sobre la película, el simbolismo reflejado en la
amistad entre el niño y un extraño ser extraterrestre, fue un éxito como nunca
antes visto en las taquillas. Una famosa revista dijo sobre el filme que era:
"la mejor película de Disney, que Disney nunca llegó a realizar". En
un tiempo de crisis de valores, sin religión, ni credo moral, la historia de
una amistad profunda y verdadera que un niño -con una ausencia de figura
paterna, leitmotiv a través de toda la película- encuentra providencialmente,
es una fábula moral contemporánea. Igualmente la figura de la muerte a la que
se ve enfrentado Elliot, y la posterior resurrección son un genial giro
dramático en la narración. La representación que Spielberg logra superponer al
espectador, donde el espacio exterior simboliza la redención por encima de las
contingencias humanas (la curación de Elliot por parte de E.T., la superación
de la muerte y su ascenso) parecen sugerir una suerte de Mesias peculiar,
encarnado en el personaje de E.T. La Academia americana no se dejó persuadir
por la retórica fantástica de Spielberg y de nueve nominaciones, le otorgó tres
estatuillas con premios sin importancia.
Palabras clave:
Spielberg, E.T, ciencia ficción, 1982.
25- To Kill a
Mockingbird
Matar a un ruiseñor
1962
Director: Robert
Mulligan
Duración: 129 min
Estados Unidos
Drama
Reparto: Gregory Peck,
Mary Badham, Philip Alford, John Megna.
Sinopsis: en un pequeño
pueblo de Alabama, vive Atticus Finch, un abogado encargado de defender a un
negro acusado de violar a una joven blanca. Sus amigos cercanos intentan
persuadirle de que abandone el caso, con el fin de evitar represalias en contra
de su familia.
La narración en primera
persona, de una mujer que retrotrae su memoria tres años antes, recobrando una
edad dorada y llena de profundos cambios personales con el telón de fondo de la
segregación racial en lo hondo de la sociedad norteaméricana.
Comentario: A pesar de
que Harper Lee, escritora y amiga íntima de Truman Capote, escribió "Matar
a un ruiseñor" consiguiendo el
prestigioso premio Pulitzer en 1960, la Paramount Pictures pensaba que la
novela carecía de acción para llevarla al cine. Pensando en el protagonista
ideal, los productores pensaron en Rock Hudson y James Stewart para el rol de
un abogado con ideas demasiado "liberales" para ser capaz de defender
a un negro. Finalmente Gregory Peck recibió la novela junto al guión, quedando
fascinado por la historia y aceptando el papel de imediato. Gregory Peck se
adentraría en el personaje de tal forma que su interpretación que será un hito
en su inmensa carrera.
Siendo necesario para
dar sensación de realismo, las escenas del juicio, fueron llevadas a cabo en
una réplica exacta de un estrado judicial. Atticus, el íntegro abogado, fue
inspirado en parte por la figura del padre de la autora Harper Lee. Amasa Lee,
su padre, defendió en 1923 ante los estrados a un presidiario negro. Para dar
solidez a la construcción se entrevistó con el padre de Lee, que no alcanzaría
a ver el estreno, pues murió poco antes.
Palabras clave: Harper
Lee, Gregory Peck, Racismo, Robert Mulligan.
26- Mr Smith goes to Washington
El señor Smith va a Washington
1939
Dirección: Frank Capra
Duración: 129 min
Estados Unidos
Reparto: Jean Arthur, James Stewart, Claude Rains, Edward
Arnold, Guy Kibbee, Charles Lane.
Sinopsis: un político
con principios, Jefferson Smith, se ve de pronto enfrentándose a las
corruptelas del resto de políticos sin escrúpulos y decide tomar cartas en el
asunto. El senador Sam Foley que muere en 1939, es reemplazado por un nuevo
político, que según los burócratas y empresarios de turno, no causará
problemas. Cargado de una entereza moral y, si se lo quiere así llamar, una
inocencia elemental, el personaje interpretado por james Stewart, resalta sobre
todos los demás. Mrs Saunders, su joven secretaria, terminará prendada de las
cualidades del senador, tras verlo al principio con distancia, e incluso con
antipatía. El inicial idealismo del joven político se irá tornando en
indignación, al enterarse que su principal protector Joseph Harrison, está
vendido al poderoso Jim Taylor, un empresario quien pretende levantar una
monumental represa en el condado natal de Smith. Esta suerte de Quijote se ve
enfrentado a los molinos de viento que ayudan a impulsar los medios y sobre
todo, el electorado. Lleva hasta el Congreso los argumentos necesarios para
cambiar el orden de las cosas que parece tan natural, siendo apoyado por un
puñado de muchachos que son igualmente éticos e idealistas al protagonista.
Comentario: el lente
agudo de Frank Capra, se transforma aquí en un estilete agudísimo que es hoy,
casi ochenta años después del estreno de la película, tan
actual como en 1939. El tema de la corrupción de los funcionarios públicos,
jamás pasa de moda. El tema sobre el que gravita el filme podría resumirse
diciendo una sola cosa: la ética.
La historia del hombre
que se enfrenta ante el sistema establecido, si tenemos en cuenta el trasfondo
político de aquellos tiempos, con regímenes totalitarios cruzando América y
Europa, parece haber perdido interés. Cada uno de los caracteres del filme
representan a un parte del “electorado” o su contraparte de gobernantes y
legisladores. Smith, representado con maestría por james Stewart, simboliza lo
que ya se ha dicho, los valores constitucionales del derecho de todo ciudadano
a velar por la trasparencia y honestidad de quienes detentan el poder; la
secretaria, representa si se quiere, la naturaleza femenina que ve en Smith el
arquetipo del hombre ideal; por su parte Harrison y Taylor, simbolizarían el político que no
puede sustraerse a complacer a su patrón, y éste último, a los que compran
conciencias sin importarles las profundas consecuencias morales que tal acción implica.
Palabras clave: Frank
Capra, Democracia, James Stewart, Corrupción.
27- High Noon
Solo ante el peligro
1952
Director: Fred
Zinermann
Duración: 84 min
Estados Unidos
Reparto: Gary Cooper, Thomas Mitchell, Lloyd Bridges,
Kathy Jurado, Grace Kelly.
Sinopsis: justo cuando
el sheriff Will Kane y Amy su novia van a casarse, se entera de que Frank
Miller, un forajido con quien tiene una cuenta pendiente, viene a cobrar
venganza. Kane decide esperar a Miller, pese a la negativa de todos, incluso su
novia, de abandonarlo. Tomando valor, se alista a recibir a los cuatro
maleantes, a los que da combate, logrando acabar con tres de ellos. Al final
Amy, convencida por la antigua novia de Kane, Helen, acaba con el último de los
bandidos. Cuando entiende que todos le han dado la espalda, Kane desprecia su
rango, dejando el pueblo con su novia.
Comentario: el guión de
la película está inspirado en un breve relato publicado por la revista Colliers's, "The Thin Star", en la que los productores trabajaron por
varios años. La idea de los productores era aplicar la estructura narrativa del
tiempo simultáneo al género del western.
La historia de un
hombre que debe enfrentar su destino solo ante las circunstancias, se convierte
para el director en un leitmotiv para
el resto de su obra. El tema del
valor del que el género ha abusado, en este filme tiene un valor sustancial
para representar sobre todo, las cualidades morales de un hombre en un momento
crucial de la vida. De hecho, el productor del filme, quien durante la época de
la preparación del rodaje fuera llamado por el Comité de Actividades
Antiaméricanas, llegó a ver reflejada su vida en la historia del comisario
Kane. Gary Cooper el actor que lo encarna, recibiría un Oscar por mejor
actuación.
Palabras clave: Gary Cooper, Fred Zinermann, Will
Kane.
28-All About Eve
Eva al desnudo
1950
Director: Joseph
L.Mankievicz
Duración: 138 min
Estados Unidos
Reparto: Bette Davis,
Marilyn Monroe, Anne Baxter, George Sanders, Celeste Holm.
Sinopsis: Eva
Harrington, es una muchacha aparentemente inocente, pero en el fondo es una
trepadora con la ambición de tomar el papel de Margo, la actriz principal que
le ha dado confianza y apoyo. El hilo de maquiavelicas intrigas tejido por Eva,
termina por enredar a su mejor amiga
Karen, que está casada con un prominente director. Eva termina siendo una
propia víctima de sus ambiciones al ser, a su vez, el objetivo de una joven
aspirante que pretender robarle su puesto de estrella.
Comentario: el mundo
deslumbrante de Hollywood, lleno de intrigas, odios, envidias y traiciones, no
tenía noticia de haber sido retratado de forma tan magistral y cargada de
sarcasmo e ironía, como en esta película. Elizabeth Bergner, una prominente
actriz vivió en carne propia el argumento de la película, en que se inspirara
el director. Los padecimientos que por culpa de la desmesuradas ambiciones
ajenas, sufriera la actriz, representan la despiadada ley, en la que aun hoy,
se deben mover los actores y directores de la industria de Hollywood.
Con una Bette Davis, en
un excelente rol, la película fue nominada a catorce premios obteniendo el de
mejor película; también Mankievicz, se llevó sendas estatuillas por mejor
guionista y director.
Palabras clave: Joseph L. Mankievicz, Marilyn Monroe,
Bette Davis.
29-Double Indemnity
Perdición
1944
Director: Billy Wilder
Duración: 106 min
Estados Unidos
Reparto: Fred McMurray,
Barbara Stanwyc, Edward G. Robinson, Porter Hall.
Sinopsis: cuando Walter
Neff, un agente de seguros, entra herido en su oficina y empieza a redactar una
confesión, se desata una serie de situaciones derivadas que implicarán a
Phyllis Dietrichson, una intrigante y seductora mujer quien en complicidad con
Neff, firma una poliza de aseguramiento doble por muerte derivada de accidente,
a nombre de su esposo.
Cuando el detective de
la compañía aseguradora, Keyes, inicia la investigación del fraude, Neff
resuelve liquidar a la arpía, disparándole, pero antes la mujer logra herirlo.
El detective alcanza a escuchar de boca de su compañero la parte crucial de su relato,
antes de morir a causa de las mortales heridas.
Comentario: Wilder,
inspirándose en un relato de Raymond Chandler escrito en colaboración con James
M. Cain, logra acabar una obra que hace honor al género negro, del que Chandler
era consumado maestro. De hecho Wilder y Chandler trabajaron juntos pese a la
evidente tensión entre ambos. La sisigia entre ambos creadores, produjo una
película donde abundan situaciones y personajes que multiplican la riqueza del
género.
El caracter de la mujer
que manipula sexualmente a los hombres, intrigante y hermosa, le otorga el
equilibrio ideal para la sólida estructura narrativa de la historia. Para Fred
McMurray -el vendedor de seguros-, actor que reflejaba una imágen opuesta a la
del bonachón americano, fue necesario cambiar su estilo dramático por un tipo
maquiavélico y sin rastro de moralismo.
El final original,
donde el vendedor de seguros es condenado y ejecutado en la cámara de gas, fue
suprimido por considerarlo Wilder demasiado chocante para el público. De siete
nominaciones, dos, para mejor director y mejor actriz, se cristalizaron. Mezcla
perfecta entre literatura y cine, esta es una de las mejores muestras del
género denominado como negro.
Palabras clave: Billy Wilder, Raimond Chandler, género
negro.
30-Apocalipse Now
Apocalipse Now
1979
Director: Francis Ford Coppola
Duración: 153 min
Estados Unidos
Reparto: Maron Brando,
Robert Duvall, Martin Sheen, Denis Hopper, Harrison Ford.
Sinopsis: Kurtz,
comandante en rebelión del ejército norteaméricano, ha impuesto un régimen
propio al interior de la jungla vietnamita. El capitan Wilard, es notificado de
que debe ejecutar a Kurtz. Al mando de una cuadrilla de helicópteros, el
coronel Kilgore, ansioso por combatir, la tropa se adentra en lo hondo de la
selva, trastocándose poco a poco la realidad establecida, a medida que entren
en los dominios de Kurtz. En el momento de verse cara a cara con Kurtz, este le
expone las líneas maestras de su absurdo concepto filosófico, según el cual la
fuerza y voluntad del hombre vencedor, debe llevarlo a asesinar despiadadamente
al más débil. Precisamente cuando la disertación parece alcanzar su punto
culminante, Wilard toma su machete y en una suerte de holocausto simbólico mata
al desquiciado Kurtz, quien entre estertores de agonía acierta solamente a
gritar: "¡El Horror... el horror!". Wilard, aterrado y obsesionado
por la culpa, emprende su camino de retorno.
Comentario: Con la
herida abierta aun de la guerra del Vietnam, Coppola emprende la realización de
un filme meditado por largo tiempo, una fábula moral sobre la intervención
americana en el conflicto de Vietnam.
La dilatada metáfora
moral, tiene inspiración en el relato de Joseph Conrad, El Corazón de las Tinieblas. Estructurada como un perfil sicológico
del conflicto, el filme pretende ahondar en lo más hondo de las aristas de la
condición humana representada en la maldad y sus límites.
La mayor parte de las
escenas fueron filmadas en Filipinas. El extenuante proceso de grabación se vería
interrumpido por monzones y turbulentas tormentas propias del clima local. Como
un sino trágico, Martin Sheen quien sustituyera a Harvey Keitel, sufrió un
infarto. Así mismo, el rodaje que se esperaba no durara más de dieciocho
semanas , se extendió por más de seis meses.
Palabras clave: Francis Ford Coppola, Martin Sheen,
Joseph Conrad, Marlon Brando, Vietnam.
31-The Maltese Falcon
El Halcón Maltés
1941
Director:John Houston
Duración:100 min
Estados Unidos
Reparto: Humphrey
Bogart, Mary Astor, Gladys George, Peter Lorre.
Sinopsis: Un habil
detective llamado Sam Spade, tras el crimen de Miles Archer, su socio, y de
Floyd Thursby a quien perseguía, resguarda la identidad de Brigid O'Shaugnessy,
su cliente. Este último guarda un interés obsesivo por una pequeña escultura de
un halcón negro. Al llegar gravemente herido el capitán Jacobi, le entregará la
codiciada estatuilla para que la resguarde. Sam Spade llama a todos los
interesados en la estatuilla para tasar un precio por ella; propone la condición
que Wilmer, matón a sueldo del sicario Casper Gutman, sea el chivo expiatorio.
Resultará al final, cuando se hallan dado a la fuga los ladrones con la
estatuilla, que esta era una copia. Spade procederá entonces a someter a la
justicia a O' Shaugnessy, implicándola en el crimen de Archer.
Comentario: Dashiell
Hammet escribió en 1929 su novela The
Maltese Falcon, sin llegar a pensar que fascinaría a los directores más
célebres del momento. John Houston debutaría fulgurantemente en las grandes
ligas de Hollywood con esta opera prima. Siendo por muchos años guionista,
Houston se puso por vez primera tras una cámara, con resultados destacables.
El secreto, según el
mismo director, aparte de la solidez del hilo argumental de la obra de Hammet,
era encontrar los actores ideales. El buen ojo de Houston dio con Humprey
Bogart para el papel de Sam Spade, un arquetipo de sofisticación detectivesca
con los consabidos clichés de las cejas arqueadas y las solapas alzadas de su
gabardina. Toda esa atmósfera oscura, de intriga, escenarios urbanos sórdidos y
diálogos a caballo entre la lengua policial y la mayéutica, hicieron del filme
un clásico del ascendrado manierismo que alcanzara este género en el cine de la
mano de un realizador que daría todavía otro puñado de obras maestras.
Palabras clave: John Houston, Humprey Bogart, Dashiell
Hammet.
32-The Goodfather II
El Padrino II
1974
Director: Francis Ford
Coppola
Duración: 200 min
Reparto: Al Pacino, Robert
De Niro, Robert Duvall, Diane Keaton.
Sinopsis: Luego de que
Michael Corleone, hubo llegado al lugar ocupado por su difunto padre Vito, y su
vertiginoso ascenso dentro de la estructura mafiosa va in crescendo, la historia retorna a la niñez del fundador de la
saga, Vito Corleone, en una Sicilia llena de violentas acciones, a comienzos de
siglo. Michael ahora se enfrentará a enemigos ocultos y otros conocidos. La ley
de la mafia es la sangre y la muerte su redención. El nuevo heredero del clan
Corleone, se diferenciará del viejo Vito, en que en lugar de ordenar las
atrocidades con las que se castigaba la traición, Michael si tomará parte con
fruición en los actos de sangre. La historia va haciendo constantes analepsis
desde la Italia de comienzos de siglo, hasta las paradisiacas playas de La
Habana y el esplendor de los salones de juegos de Las Vegas, donde la dinastía
Corleone en cabeza de su nuevo zar, pretende conquistar nuevos feudos para
nutrir su empresa criminal.
Comentario: La saga de
Francis Ford Coppola con la segunda parte de una historia de brutalidad y
violencia de una familia de la cosa nostra italiana, alcanza su punto más alto.
Con el apoyo constante del inagotable texto de Mario Puzo, Coppola despliega su
arsenal artístico para superponer personajes, tiempos, planos y toda suerte de
pirotecnias estilísticas y narrativas. La prolijidad de la técnica en algunas
escenas memorables: el crimen de Mano Negra en Little Italy, al compás de una piadosa procesión religiosa; el
triunfo de los guerrilleros entrando victoriosos a La Habana, entre otras, dan
cuenta del depurado estilo que venía adquiriendo el director.
El tour de force entre las actuaciones de Al Pacino y Robert de Niro,
quien representa a Vito Corleone en su juventud, le mereció una estatuilla por
su genialidad histriónica. Fue nominada nueve categorías ganando seis, incluida
mejor director y mejor película, convirtiéndola en un hito del cine
contemporáneo.
Palabras clave: Francis
Ford Coppola, Robert De Niro, Al Pacino, Mario Puzo.
33-One flew over the Cockoo's nest
Alguien voló sobre el
nido del Cuco
1975
Director: Milos Forman
Duración:133 min
Estados Unidos
Reparto: Jack Nicholson, Louise Fletcher, Midred
Ratcher, William Redfield.
Sinopsis: haciéndose
pasar por un loco, Randle P. McMurphy, es internado en un siquiátrico para
lograr evadir la pena de trabajos forzados. La actitud tiránica de la enfermera
Radchet provoca que Randle se convierta en un paciente agitador intentando
levantar a los asilados para que pidan mayores libertades. Saca de juega a los
pacientes y organiza fiestas dentro del pabellón. Luego encuentra a otro
interno con una chica en la cama y le amenaza con delatarlo con su madre. Acto
seguido, aquel se suicida, entonces Randle trata de asfixiar a la muchacha, por
lo cual es llevado y sometido a una lobotomía. Un compañero termina por ahogar
a Randle y huir.
Comentario: el tema de
la novela de Ken Kessey, es un alegato en contra del autoritarismo. La
atmósfera que la juventud norteaméricana respiraba en el momento de la
aparición de la novela de Kessey, se condensa en la figura del personaje de
Randle (Jack Nicholson), el eterno rebelde sin causa que la mayor parte de las
sociedades siempre han tildado de "loco". La alegoría de la
enfermera-carcelera que vigila a los locos, la entendió en todo su sentido el
director Milos Forman en su adaptación cinematográfica. El argumento y la
blancura insoportable de la escenografía, por momentos recuerda ese libro
magistral de Michel Foucault "La locura en la época clásica". A lo
largo de las escenas, la sensación delirante que se evidencia durante el
presidio del personaje de Randle, supo aprovecharlo Nicholson con sus dotes de
histrión y su gestualidad diabólica, haciendo de esta adaptación fílmica de la
novela, una de las más recordadas.
34-Snow White and the Seven dwarfs
Blancanieves y los
siete enanitos
1937
Director: Walt Disney
Duración: 83 min
Estados Unidos
Reparto: Adriana Casselotti, Harry Stockwell, Lucile
La Verne, Billy Gilbert.
Sinopsis: Blancanieves
es una niña que una perversa reina ha criado; sueña con que su príncipe vendra
a por ella algún día. En una ocasión, al interrogar al espejo sobre cual es la
más bella mujer del reino, este dice que es Blancanieves y la reina ordena su
muerte. Encarga para tal fin a un cazador, quien le perdona la vida y le dice
que se oculte en un rancho en la hondura del bosque. Allí habitan siete enanos
que cuidarán de la joven. Enterada de la treta, la reina disfrazada de anciana
bruja, persuade a Blancanieves de comer la manzana emponzoñada. La doncella
muere y los enanos cobra venganza haciendo que la bruja caiga por un
precipicio. Cuando el príncipe le da el beso ella revive y todo termina en un
final feliz.
Comentario: Walt
Disney, personaje célebre ya por su innovación en el campo de la animación,
pretendía explorar las posibilidades narrativas del nuevo género
cinematográfico. Ansioso por llevar al límite sus capacidades de su genio
creativo, el equipo de dibujantes y productores utilizó la revolucionaria
cámara multiplanos, que daba mayor aspecto a las proporciones de las imágenes,
herramienta de gran utilidad en lo concerniente a detalles como polvo, viento o
lluvia. De igual modo se otorgó mayor fuerza a las caracterizaciones de los
personajes, con gestos y particularidades que los diferenciaran radicalmente de
otros. Tales avances técnicos le dieron el Oscar para cuya entrega a Walt
Disney, se diseñaron especialmente las figuras de los personajes de la
película. La película, además de ser una de las más costosas de su tiempo,
también fue quizá la que mayor celebridad dio a su genial creador.
Palabras claves: Walt
Disney, Blancanieves, Cámara multiplano.
35- Annie Hall
Annie Hall
1977
Director: Woody Allen
Duración: 93 min
Estados Unidos
Reparto: Woody Allen,
Diane Keaton, Tony Roberts, Carol Kane, Paul Simon.
Sinopsis: Annie Hall,
una cantante, y Alvy Singer, un comediante, tras un breve romance deciden irse
a vivir juntos. El interés de Tom Lacey, un magnate de la industria musical,
por Annie, hace que entre la pareja haya una separación. Alvy decide rehacer su
vida sentimental con una reportera, Pam, pero no puede dejar a Annie y retorna
con ella. La pareja decide partir a Los Ángeles donde se reunen en una velada
organizada por Lacey. De vuelta a Nueva York, nuevamente se separan. Annie
retornará de nuevo con Lacey, y Alvy intentará que ella vuelva escribiendo una
obra teatral como signo de reconciliación. Pero solamente perdurará entre Alvy
y Annie un afecto entrañable.
Comentario: luego de
distintos ejercicios de estilo, Woody Allen parece al fin encontrar con Annie
Hall su verdadera voz. La reflexión de un joven cineasta con una herencia
judía, se reflejó de forma auténtica en esta película. La figura del artista
ambicioso, parece casar dentro de la estructura narrativa del filme, haciendo
algo más que un intento de autobiografiarse por medio de la ficción
cinematográfica.
Esta historia de amor
tiene mucho de radiografía sentimental, casi tan romántica como una novela. La
coprotagonista Diane Keaton, quien fuera pareja de Allen, recrea junto al
director los distintos estadios de la relación pero sin dejar que sea solamente
un ejercicio honesto de un pasado, una catársis amorosa que se concretará en la
forma de una fábula artística. Definida por el propio Woody Allen como una
sociología de las relaciones entre los sexos, durante la América de los
setentas, se desarrolla así mismo durante el relato una sarcástica crítica de
la condición humana, que la Academia premió con cuatro galardones: mejor
director, mejor guió y mejor película, entre ellos.
Palabras clave: Woody Allen, Diane Keaton, Annie Hall,
autobiografía.
36-The Bridge on the River Kwai
El puente sobre el río
Kwai
1957
Director: David Lean
Duración:
Reino Unido
Reparto:
Sinopsis: el coronel
Nicholson es un oficial al mando de una tropa británica que tomada como prisionera de guerra en Tailandia; Saito es
el oficial japonés al mando de ellos. De acuerdo a la Convención de Ginebra,
los hombres hechos prisioneros, no deben ser usados para trabajos forzados.
Saito pretende construir un puente sobre el río Kwai y piensa usar los soldados
para tal fin. Ante la oposición del coronel Nicholson, Saito decide exponer en
una jaula al sol al oficial, en señal de castigo. El estoicismo del coronel
británico, que no cederá al castigo físico, le gana el respeto de los
subordinados e incluso de los japoneses. Tal fortaleza de espíritu hace que
Saito desista del proyecto. De todas formas Nicholson toma la decisión de
construir el puente con sus tropas para demostrar la superioridad del ejército
inglés sobre el enemigo japonés.
Comentario: luego del
filme de corte épico Lawrence de Arabia, David Lean decidió emprender el rodaje
de El puente Sobre el Río Kwai. Apasionado por las historias de corte heroico y
de grandeza, su film de tema bélico, se centra en la rivalidad simbólica entre enemigos:
un ejército británico es capturado por los japoneses en Myanmar y en ese
momento comienza la batalla entre los dos oficiales. Pese a que esta es una
película de guerra, el enfrentamiento tiene lugar en el espacio sicológico de
su estupendo thriller Lean, un esteta
consumado en el registro cinematográfico, decidió filmar las escenas más
impactantes, como por ejemplo la explosión de un tren sobre las vías,
utilizando un tren real sin recurrir a maquetas o trucos por ese estilo. Un
filme como este tiene características de novela sicológica, pues el espectador
está desde el inicio abocado al desenlace del combate sicológico constante
entre los dos protagonistas. Alegoría al triunfo de la fuerza moral de una
nación en guerra, es basada en una historia real del conflicto. Ganó 7 premios Oscar:
Mejor director, Mejor película, Mejor actor, Guion adaptado, Fotografía, Banda
sonora y Mejor montaje.
Palabras clave: David
Lean, Puente sobre el Rio Kwai, Alec Guinnes, Lawrence de Arabia.
37-The best year of our lives
El mejor año de
nuestras vidas
1946
Director: William Wyler
Duración: 182 min
Estados Unidos
Reparto: Myrna Loy, Fredric March, Dana Andrews,
Teresa Wrigth.
Sinopsis: tres
soldados: Fred Derry, Homer Parrish y Al Stephenson, retornan a la vida luego
de la guerra. Todos se han de enfrentar a cambios radicales derivados de sus
largas ausencias: el alcoholismo comienza a acosar a Al; por su parte Fred
entiende que su bella esposa, no es la misma que conoció; en tanto que Homer, con
sus dos brazos amputados, se sentirá aliviado cuando Wilma, su esposa, le
manifieste que su amor por él nunca ha disminuído. Cuando Homer se case con su
novia Wilma, Al se encontrará adaptado de nuevo a su vida y Fred, ahora
separado tiene el camino libre con Peggy.
Comentario: William
Wyler, fue uno de los realizadores más prolíficos y versátiles de la industria
hollywoodense. Su largo catálogo filmográfico, su perfeccionismo a la hora de
rodar las escenas, lo destacan, si no en el olimpo en el que pueden nombrarse a
directores como Hitchcock, Bergman, Welles, Ford, etc, se lo tiene como un
relizador disciplinado y metódico.
El eje argmental de
"Los mejores años de nuestra vida", gira alrededor del retorno a la
vida civil de un grupo de soldados tras la Segunda Guerra Mundial. La
radiografía de los jovenes miembros de
la clase media norteamericana, desorientados en una sociedad industrializada es
una crónica intemporal hecha con mano maestra.
Sobre una crónica
periodística aparecida en la revistaTime,
el productor Samuel Goldwyn, encargó un guión que resultaría luego en una
novela versificada de McKinlay Kantor, que Robert Sherwood junto a mismo
Wyller, readaptarían por vez definitiva. Siendo nominada porla Academia a ocho
premios, obtendría seis, entre ellos mejor director y mejor actor "no
profesional" entregado a Harold Russel. La película fue saludada como una
metáfora de valor inspirada en los veteranos de la Segunda Guerra.
Palabras clave: William
Wyler, Segunda Guerra Mundial, veteranos de guerra.
38- The Treasure of
Sierra Madre
El tesoro de Sierra
Madre
1948
Director: John Houston
Duración: 126 min
Estados Unidos
Reparto: Humphrey Bogart, Walter Huston, Robert Blake,
Tim Holt, Bruce Bennett.
Sinopsis: Durante la
Fiebre del Oro, dos pobres diablos (Fred Dobbs y Bob Curtin) junto a un
buscador de oro (Howard) emprenden su travesía hacia lo profundo de las
montañas de México. Cuando su travesía da sus frutos y hallan el precioso
metal, Dobbs, presa de la ambición, intentará deshacerse de sus compañeros para
quedarse con todo el botín. Un grupo de forajidos los atacan, pero al final los
tres logran salvarse. Durante el viaje, Howard se separa del grupo, entonces
Dobbs, aprovechando la oportunidad dispara a Curtin, dándolo por muerto. A su
vez Dobbs es asaltado y antes de robar sus burros y los sacos con el oro, que
los ladrones creerán que son de arena, le dan muerte al ambicioso Dobbs. Al
final, sin el oro, Curtin retorna a Estados Unidos y Howard se establece en una
aldea fungiendo como doctor
Comentario: inspirada
en la novela de Bruno Traven, la película de John Houston “El Tesoro de Sierra
Madre”, es quizá una de las mejores del género de aventuras de todos los
tiempos y una verdadera obra maestra del director norteamericano. La solidez
argumental del guión, oficio en el que Houston fuera un consumado maestro, la
riqueza en el registro con diferentes planos que ponen de relieve el carácter
de cada uno de los personajes, son fundamentales en el acabado final de la
película. Las interpretaciones de gran calidad por parte de Humprey Bogart,
quien en su hoja de vida tenía ya filmes de talla mayor, como Casablanca y El
Halcón Maltés, otorga al personaje del pobre diablo ambicioso, un color
deliberadamente oscuro y trágico; Walter Houston, padre del director, en su
papel de Howard, se muestra equilibrado en su interpretación de un veterano
buscador de oro que en su vasta experiencia ya está bien habituado a los gestos
de ambición al hallar el codiciado metal. En definitiva, la aventura de los
tres personajes se constituye en una metáfora de la condición humana sobre la
ambición y sus límites.
El filme resultó
ganador de tres premios de la academia: mejor director, mejor actor de reparto
y mejor guión adaptado.
39- Dr. Strangelove
Dr. Stangelove
1964
Director: Stanley Kubrick
Duración: 93 min
Estados Unidos
Reparto: Peter
Sellers, George C. Scott, Sterling Hayden, Keenan Wynn, Slim Pickens, Peter
Bull, James Earl Jones.
Sinopsis: durante la
guerra fría, el general Jack D. Ripper prepara un ataque nuclear contra la
Unión Soviética, en prevención por una posible contaminación de las aguas
norteamericana. El general, sin embargo, desconoce que los rusos tienen un
poderoso arsenal nuclear, que en el momento en que se vean atacados, se
desencadenará un contraataque contra los Estados Unidos. Un oficial de la RAF,
coronel Lionel Mandrake, ante la locura de Ripper, intentará detener el ataque
a toda costa. Cuando Ripper se ve sitiado decide acabar con su vida. Los
oficiales norteamericanos reunidos en la base, contemplan esta como una oportunidad
dorada para acabar de una vez por todas, con la odiada Unión Soviética
comunista.
Comentario: Stanley
Kubrick uno de los directores emblemáticos del siglo XX, hizo una metáfora
de la guerra fría en este filme
arriesgado, sarcástico y posmodernista. En 1962 Estados Unidos se vio casi al
borde de un conflicto nuclear a raíz de la crisis de los misiles cubanos.
Además el fantasma de guerra de Vietnam pendía sobra las cabezas de los
ciudadanos americanos como espada de Damocles. Lo realmente innovador de su
genial parodia –en un momento en el que casa americano tenía en sus patio
trasero un refugio nulear-, es la visión de la fragilidad del aparato de
defensa del Departamento de Estado, en aras de acabar con el detestado sistema
comunista soviético a costa de lo que sea preciso hacer. Las estupendas actuaciones,
sobresaliendo la de Peter Sellers en tres roles diferentes: Dr.Stragelove, el
presidente Muffley y el capitán Mandrake, hacen de esta una exquisita parodia
en tono político que le valdrían a Kubrick la nominación a cuatro premios de la
Academia: mejor película, mejor director, mejor guión y mejor actor.
Palabras clave: Stanley
Kubrick, Peter Sellers, Guerra Fría, Guerra Nuclear.
40- The Sound of Music
La Novicia Rebelde
1965
Director: Robert Wise
Duración: 170 min
Estados Unidos
Reparto: Julie Andrews, Christopher Plummer, Eleanor
Parker, Peggy Wood, Richard Haydn.
Sinopsis: durante la
anexión de Austria por parte del Tercer Reich, la novicia María (Julie Andrews)
es puesta al servicio de un oficial nazi, capitán Georg Ritter Von Trapp (Christopher
Plummer), para ser la institutriz de sus hijos. El estilo prusiano y
autoritario del capitán Ritter, contrasta con la actitud jovial y tierna de
la joven tutora que pronto se ganará el
aprecio de los niños, e incluso del propio oficial, poniendo en riesgo la
relación con la prometida del capitán. Luego de un tiempo, el capitán decide
casarse con María, mientras las tropas alemanas invaden Viena. Tras la
persuasión de los altos mandos alemanes de que el capitán se reintegre a las
tropas, el capitán aprovecha un certamen de canto para poder huir con María hacia
Suiza no sin cantar una tonada patriótica en símbolo de rebelión contra la
invasión alemana.
Comentario: La Novicia
Rebelde, es una de los musicales más conocidos de la historia. Robert Wise,
quien tenía a su haber la exitosa obra West Side Story, con la maravillosa
música de Leonard Bernstein es genial director de orquesta norteamericano que
en un tándem junto al realizador, fueron merecedores de un premio de la
academia, volvía de nuevo a la carga con otra obra musicalizada esta vez por Richard
Rodgers y Oscar Hammerstein. Pese a los esfuerzos de la producción por lograr
escenas memorables en las campiñas suizas, el profesionalismo actoral y las
pegajosas melodías que recorren la película, se le ha endilgado su a veces
exceso de sentimentalismo gratuito. De todas formas la conjunción de
situaciones particulares para la trama del filme: la invasión nazi a Austria,
la relación entre los protagonistas, una novicia y un oficial, y la música
asociada al paisaje idílico de los Alpes austriacos hicieron que se ganara un
lugar en el corazón de los espectadores de todas las edades. La cinta ganaría
cinco de siete premios a los que fue nominada, incluidos mejor director y
película.
Palabras clave: Julie Andrews, Rodgers y Hammerstein,
Musical, Robert Wise, Christopher Plummer.
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